专升本的艺术概论怎么学？

　　我是黑龙江考生 专升本考的艺术概论应该怎样去学习 买了艺术概论的书但是不知道应该怎么去学

　　相信很多同学第一眼彭吉象的艺术学概论，绝对是懵逼的。

　　去年师兄我也是。整本书44万字，你要全部背完？玩什么玩笑，每天保证8个小时的学习，全部看完都要一个星期，全部背完要多久？而且论述题，直接把书本的考点照搬过去，也是不能拿高分的。

　　别急，下面就让我来揭晓一下我是怎么考到91分的（上图证明）

　　

　　1、分析考纲：

　　师兄拿2020年的考纲来看（21年的考纲说了等于没说两者区别不大）

　　上篇艺术学概论 （1-4章），占比25%

　　中篇艺术种类（5-9章），占比45%

　　下篇艺术系统 （10-12章），占比30%

　　所以一开始复习就要明确，中篇是重点，论述题必有一道来自中篇；

　　上篇，第一章、第二章最近三年基本没考过，只考过一道选择题；

　　下篇三章比较抽象，很多同学似乎看懂了，一写论述题却写不出字，得论述题者得天下啊，论述题+选择题都已经快60分。60分是什么概念？单纯按照上一所最差的民办220分来看，绰绰有余了。

　　

　　2、难度：

　　说了这么多，会有同学问了，艺术概论那到底难不难啊？这个我也很难回答你，只能用马爷爷的辩证法说“既难又不难”看你想要达到什么样的分数，要拿到60分？有手就行。要跟师兄一样80+？也可以，要掌握方法。

　　按照考纲来看，【容易题占了30分】，什么是容易题，没看过书也会。

　　比如19年选择题第一题，和物质技术联系最为密切的是：

　　A、音乐 B、建筑 C、绘画 D、雕塑

　　【答案是B！】

　　什么？一次书都没看过竟然选对了，恭喜你，升本就需要你这样聪明的学生。所以说，容易题就冷静一点凭直觉就可以选对的。

　　【中等难度题占了50分】，有的同学一看到难度两个字就慌了，脑海里浮现一首凉凉，大可不必啊，中等难度题的意思就是背书就会，不背书不可能会。

　　再来一道例题，19年简答题，什么是真人秀？真人秀大家都看过吧，背过书的回忆一下。

　　一、真和秀的结合...

　　二、人是普通人...

　　三、核心是游戏...

　　这种题不背书你不可能做对，凭自己的理解写0分！再说一遍，改过卷子都知道，阅卷人只看关键词，看不到这三点，任你写出花来，心情好最多1分。

　　那还是有同学会说，那不还是要背书吗...大哥，你选择艺术这条路就是文科啊，高中选科都知道，不背书你能拿高分？不背书也就是裸考最多30分，瞎鸡儿背，60分顶天，有方法去背，不仅花的时间短，还能拿高分80+

　　想知道怎么样有方法去背书吗？评论留言一波，明天我告诉你

　　艺概线下课https://www.zhihu.com/video/1474489187159867392

　　艺术概论（背诵部分）艺术本质论艺术的本质（彭吉象）客观精神说认为艺术是“理念”或者客观“宇宙精神”的体现的关于艺术本质问题的理论。首先，古希腊哲学家柏拉图认为，理式世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。只有理式世界是真实的，而现实世界只是理式世界的 摹本，艺术只能算作“摹本的摹本。这是客观唯心主义的哲学。其次，是德国哲学家黑格尔，其美学思想的核心是“美就是理念的感性显现”，同样把艺术本质归结于“理念”或“绝对精神”。但其思想又包含了深刻的辩证法思想：“理念”是内容，“感性显现”是表现形式，二者是统一的。最后，中国南北朝的刘勰在《文心雕龙》的《原道》中提出了“文以载道说”，文是道的表现，道是文的本源。道有自然之道和圣贤之道的意思，即善。宋代理学家朱熹进一步深化，认为“文”只不过是载“道”的简单工具，“犹车之载物”。这样一来，“道”不仅是文艺的本质，而且是文艺的内容，这种“文以载道”说同样把艺术的本质归结为某种客观精神。

　　主观精神说。不太记得认为艺术是“自我意识的表现”，是“生命本体的冲动”的关于艺术本质的学说，代表性观点有：首先是康德意志自由论。德国古典美学的开山鼻祖康德认为，天才说：艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，强调创作者的主体性，突出艺术创作中天才的想象力与独创性。他强调，艺术中天才的想象和独创性，可以使艺术达到美的境界。游戏说：艺术和游戏是共通的，艺术是自由的，丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。康德的这种意志自由论成为后来的唯意志主义的思想来源之一。其次是尼采的观点。德国哲学家尼采认为，（1）人的主观意志是世界上万事万物的主宰，也是推动历史发展的根本动因。在尼采那里，主观意志被说成是主宰一切的独立实体，本能欲望被夸大为具有无限的能动性。（2）尼采是从美学问题开始他的哲学活动，在他的第一部著作《悲剧的诞生》中，尼采把日神冲动和酒神冲动看做艺术的两种根源，把“梦”和“醉”看做审美的两种基本状态。最后是中国古代文艺评论家的观点。我国南北朝时期的部分文艺评论家把“情”、“志”归结为作家、艺术家个人的心灵和欲念的表现，根本否认文艺与社会现实的联系。宋代严羽的“妙悟说”和明代袁宏道的“性灵说”，也是把主观精神的表现和抒发当作文学艺术的本质特征。

　　模仿说或再现说认为艺术是对“现实的模仿”和“社会生活的再现”是古希腊哲学家亚里士多德认为艺术是对现实的“模仿”的学说。他首先肯定了现实世界的真实性，从而也就肯定了“模仿”现实的艺术的真实性。他还进一步认为，艺术所具有的这种“模仿”功能，使得艺术甚至比它所“模仿”的现象世界更加真实。艺术所“模仿”的不只是现实世界的外形或现象，而且是现实世界内在的本质和规律。所有的艺术都是模仿，只是模仿的对象、模仿的表达方式和模仿的媒介不同俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”，是对客观现实的“再现”。首先，车尔尼雪夫斯基的基本论点是艺术反映现实，但他所理解的现实生活，不仅包括客观存在的自然界，而且包括人们的社会生活，使其更加具有深刻的社会内容。其次，艺术应该具有一定的功利性，艺术应该帮助人民说明生活和判断生活，文艺应该和革命斗争联系起来。最后，这一观点是特殊历史时期的产物，有机械唯物论的缺陷，过分抬高现实美，贬低艺术美。

　　艺术的本质（王一川）形式论（不重要）艺术品是一种纯形式构造的看法。它反对重视艺术内容或者思想的观点，即艺术的根本属性不在于对现实的模仿和情感的表达，而在于形式的构造。康德《判断力批判》——审美判断关乎艺术形式和艺术美在形式的思想唯美主义者王尔德“为艺术而艺术”中国六朝人物画家顾恺之“以形写神”，山水画家宗炳“以形媚道”

　　感兴论（比较重要）来自中国传统的，认为艺术是个人感兴的产物的看法。感兴也作兴会、诗兴、兴致等。“感”，是“感物”、“物感”之意，代表个体对事物的认知和体验；“兴”，是指从平常状态中骤然兴起、起来，代表个体身心进入一种高度兴奋状态。重要的是：感兴被视为个体从物质生活情境中兴起、奋起而达到一种身心愉悦状态的一个标志。感兴不仅可以来自个人生活的体验，而且更应该来自通过个人而对超个人的社会生活境遇的体验。从内在构成看，艺术中的感兴往往必然指向独特的符号构造（辞、句、章），即要以符号形式去创造特殊的意义系统（审美意象），从而传达感兴中生成的人生意义直觉。可以说，感兴是人的身体与心理、物质状况与精神感受、意识与无意识、情感与理智等要素之间在符号形式中的多重组合。感兴，实质上是符号形式中创生【艺术创作的作品中】的人对人生意义的直觉，代表了中国人对艺术的一种独特的认知。感兴在创作中的具体演变——以郑板桥画竹为例第一是园中之竹，这是客观存在的园林或庭院中的竹子，它诱发了画家的“感物”愿望，使其生出感兴第二是眼中之竹，这是园中之竹映现在画家个人感官里的印象，它代表艺术感兴的开端或发动。第三是胸中之竹，这是画家在头脑中对眼中之竹进一步加工和改造的产物，灌注进画家个人的情感、理想、趣味等主体构成，代表艺术感兴的高潮阶段。第四是手中之竹，这是画家把胸中之竹转化成可感的媒介形式的成品状态，代表艺术感兴的完成阶段。

　　有意味的形式（比较重要）兴起背景：20世纪20年代，各种新鲜的美术探索浪潮此起彼伏，围绕艺术语言、艺术形式，?不是艺术内容进?艺术实践的理念成为当时的主流思潮。 内容：20世纪20年代英国形式主义美学家克莱夫贝尔给艺术下了这个定义，即艺术是有意味的形式。贝尔认为，在各个不同的作品中，线条、色彩以某种特殊方式组成某种形式或形式间的关系，激起我们的审美感情。这种线、色的关系和组合，这些审美的感人的形式，称之为有意味的形式。艺术是有意味的形式。这里的意味，是指无功利的审美情感。形式，主要是指艺术品的色彩和线条等要素所构成的组织，它本身也可以“激起我们的审美感情”。同时，这种可以激发审美情感的形式，以其特有的抽象性和非再现性，是可以区别于日常生活中的一般形式的。

　　局限贝尔把?学、?乐等从艺术(主要是美术)中驱逐出来，有违人们对于艺术概念。 忽略了艺术内容和形式的关系，特别是因为忽略作品的内容，?导致与内容相关的情感因素被全部抹杀。“趣味”?说在当时没有明确的方法论的支撑 ，趣味是什么，贝尔没有深入解释。

　　艺术体制【重要】艺术体制是特定时期存在的关于艺术的观念与知识系统，以及艺术品赖以存在的生产、传播、消费、评价的完整的社会机制。从艺术体制概念去观照，可见艺术品生存于一个动态的社会网络关系场域中，不同的行动者（艺术家、艺术商、批评家、博物馆负责人等）在此携带自己的文化资本进行权力争夺或合作，从而使得艺术成为社会生活需要的一种文化样式。正是某一时期的特定艺术体制在一定程度上决定了何为艺术和艺术如何被人们理解和接受。首先是作为观念语境的艺术界【更强调一种抽象的知识】。丹托在其1964年的《艺术界》（The Artworld）一文中指出，在什么情况下艺术品区别于日常物品？他的阐释表明，某物的艺术品身份是在特定的历史情境中实现的，这种历史情境就是包括“艺术理论环境”和“对艺术史的认识”在内的“艺术界”。这就是说：一件作品成为艺术，并不仅仅是因为它自身的物质属性，而是外在于它的一种普遍的艺术观念使其被接受为艺术。某一时期的艺术观念与知识所构成的“语境”赋予某个日常物品以艺术之名。其次是作为机构网络的艺术体制【更强调具体的组织和人】。迪基随后发展出“艺术体制理论”的观点：艺术品是一种人工制品，代表某种社会制度（即艺术界）的一个人或一些人授予它具有欣赏对象资格的地位。迪基强调社会体制在艺术品获得其资格时的作用，其理论带有更鲜明的社会学色彩。布迪厄对这一建构艺术的体制结构所包括的各种要素有一个清晰的概括，即艺术品价值的生产，不是靠作品或者艺术家实现的，而是需要别人的相信和认可，即包含批评家、艺术史学家、出版商、画廊经理等各种中介结构的艺术体制，其对艺术家身份和作品价值的建构有更为直接的影响。以上学者的的视线都已离开传统视域中物质形态的艺术品，而集中关注某物在特定历史阶段如何被其共同体的制度所认可。这一“制度”指的是一个广泛而相互连接的社会关系网络。艺术界、艺术体制和艺术场（思考题：怎样理解“艺术是一种结构性场域，受制于参与者的权力”）【难点】产生背景【不重要】：各种现代的艺术方法和流派相继涌现，各种现代作品蔚为大观；严肃、自律的艺术因资本家支持和人们审美水平和知识背景的提高而获得来强大的生存空间。现代艺术全面进入“当代”的准备，它们自成一体，独立运作，形成了拥有一定话语权的自主领地，他律性因素暂放一边，当代艺术建立起一门专属的学科和一整套自律的，有关艺术的知识体系，在此趋势下，艺术界、艺术体制和艺术场的问题应运而生。艺术界、艺术体制和艺术场的相同点：都强调艺术的语境论观点，即认为艺术之所以是艺术，不在于其自身的某些核心要素，而在于其所处的环境。语境，包括了体制语境、历史语境和理论语境，它们分别对应了社会、政治、经济、文化的体制（体制语境）；艺术史（历史语境）、以及拥有话语权的理论家或者机构（理论语境）。并且语境的要素不是孤立的，它们相互关联、影响、从?形成某种结构性的关系，表现为展览、出版、艺术评论、美术馆及其资?支持者、艺术市场和艺术家之间存在相互依存?相互博弈的局?。故语境界定艺术是非常复杂的。举例：安迪沃霍 波普艺术；杜尚的《泉》；博伊斯的“活的雕塑”

　　艺术界、艺术体制和艺术场之间的关系：艺术界是指艺术史和艺术理论的知识所构成的环境氛围，艺术界的领域拓展为更广义的社会泛文化结构，形成了艺术体制论，对艺术体制的发生和变化的结构性规律进行分析，创造了艺术场理论。 艺术界“艺术界”是1964年美国哲学家阿瑟丹托在《艺术界》一文中提出的主张从艺术与社会综合情境之间的关系角度确立艺术品的资格的概念。艺术之所以成为艺术，是由艺术背后所涉及的拥有家族相似性的观念和意识——艺术理论与艺术史构成的环境氛围决定的。这些把艺术品与在外观上没有差别的日常物区分开来。决定某个实物成为“艺术品”的不是它外观本身所展示出的东西，而是直指它所涉及的种种观念。丹托看来:艺术界就是体制化了的理由话语系统，理由话语决定了作品的意义和价值，并给予某物以艺术品的身份。理由话语是社会体制规训下的产物，艺术的主体，从艺术家、理论家、批评家到艺术机构，再到部分观众，他们都应当熟悉并分享大致相同的理由话语，但不需要严格阐述这一话语。

　　艺术体制【艺术习俗论】是基于艺术家兼批评家迪菲的《艺术界》和理论家乔治迪基的《何为艺术？》两篇文章产生的，这两篇文章都致力于重视艺术实践所处的社会文化结构。首先，艺术体制强调艺术的语境论观点。即认为艺术之所以是艺术，不在于其自身的某些核心要素，而在于其所处的环境。其次，艺术品之所以会是艺术品，是因为某个或某些个代表艺术界的人授予了它作为艺术欣赏对象的资格。艺术品是:1.人工制品:2. 代表某种社会制度(即艺术世界)的人授予它具有欣赏对象资格的地位，迪菲提出的“艺术界”不再局限于艺术史知识和艺术理论氛围，它还涉及 了更为结构性的社会体制。再次，艺术体制论将体制”这一社会学术语引入了艺术界理论中。通俗地说，体制就是文化中的习俗与惯例，是一种有强大权力的结构系统，是它“授予”艺术品以艺术的资格，艺术品的资格是在社会现实语境下实现的。艺术就是一个融入社会意图和社会历史的文化实体。

　　艺术场【难点】是法国社会学家布尔迪厄运用著名的场域理论，对艺术体制的发生和变化的结构性规律进行分析从而创造的理论。首先，艺术场强调艺术的语境论观点。即认为艺术之所以是艺术，不在于其自身的某些核心要素，而在于其所处的环境。其次，艺术场是一个制度习俗系统，这个系统有一种强大的渗透性，形成强大的引力场，把艺术准则，连同美学观念和品味强加给所有既定社会阶层的人。再次，艺术场是战争式的，期间充满了权力的博弈。因为艺术场中包含着历史性和地域性的因素，而这两种因素又受制于复杂的社会结构，所以艺术场本身是变动的，不稳定的。同时，艺术场中的参与者遵守却又破坏着稳定的关系结构，推动着艺术场的变化。最后艺术场理论认为艺术就是一个遵循自身运行和变化规律的空间，其内部结构体现为不同参与者之间的权力结构。艺术的本质就是上演权斗的舞台。布尔迪厄深受结构主义的影响，他相信社会文化和语言一样，都存在某种相对普遍而稳定的秩序和结构，在他看来，艺术是一个遵循自身运行和变化规律的空间，其内部结构体现为不同参与者之间的权力结构。艺术的本质就是上演权斗的舞台。怎样理解“艺术是一种结构性场域，受制于参与者的权力”【难点，为解答】艺术是一种场域：建立在布尔迪厄的场域理论之上，场域理论简单概括即是：社会世界是由大量有相对自主性的社会小世界构成，这些社会小世界就是具有自身逻辑和必然性的客观关系的空。布尔迪厄通过观察艺术与文化认同发生的关系，运用其著名的场域理论，对艺术体制的发生和变化的结构性规律进行分析。（即对艺术里文化中习俗和惯例的发生和变化的结构性规律进行分析），由此形成了艺术场。艺术场强调的是一种强大的渗透性的制度习俗系统，这个系统形成强大的引力场，把艺术准则，连同美学观念和品味强加给所有既定社会阶层的人。场域的结构性特征：这个场域受到各种语境的影响，包括了体制语境、历史语境和理论语境，它们分别对应了社会、政治、经济、文化的体制（体制语境）；艺术史（历史语境）、以及拥有话语权的理论家或者机构（理论语境）。并且语境的要素不是孤立的，它们相互关联、影响、从?形成某种结构性的关系，表现为展览、出版、艺术评论、美术馆及其资?支持者、艺术市场和艺术家之间存在相互依存?相互博弈的局?。如何受制参与者的权力：艺术是各种社会力量相互斗争的结果。期间充满了权力的博弈。艺术场中包含着历史性和地域性的因素，这两种因素由受制于复杂的社会结构，因而艺术场本身是变动的，不稳定的。

　　贝克的艺术网贝克把艺术界看作社会主体（公众）通过协商合作而形成的关系网络。这一网络调整着参与者（艺术家和公众）的行为和观念，以惯例化的方式生产出艺术品。艺术品就是公众理解并认同社会文化的实践场所。艺术仅是各种社会力量协商合作的结果，是公众参与集体行动的产物。艺术界通过这种协商过程，调整和编织着艺术与社会之间的关系。

　　中国的艺术体制分析艺术体制是一个由多种要素与力量进行协作与斗争的社会场域，各个方面相互交叉以共同发挥作用，在中国艺术体制由如下因素构成。第一，国家艺术组织。是指政府所领导的文化事业机构，它对国家文化艺术的生产、分配与消费进行管理，倡导和实施符合国家主流价值体系的艺术体制。同时国家艺术组织也是目前中国艺术体制最高级的组织，它主要涵盖了各级政府文化厅、广播电影电视局等，共同构成了主流文化生产的源泉。国家艺术组织的主要责任具体如下，一方面而言，其首要责任有用在于引导与鼓励符合主流价值观的艺术创作。应积极协调个艺术作品与主流价值观的关系，另一方面而言，国家各级艺术院团还应该直接担负起创作主流艺术作品的责任。例如中影集团偷拍的《建国大业》、《建党伟业》，以弘扬主旋律，讴歌中国共产党。最后，政府艺术组织还应通过多种形式的资金资助去鼓励艺术家进行主流价值观的艺术创作，为艺术家带来更有利的创作条件。第二，艺术市场机制。它是艺术家通过非政府渠道的资金生产出艺术品，艺术品在市场上自由流通、换取利润以获得投资回报率，形成一个持续性的生产与再生产链条。该链条内容具体如下；首先，艺术制作资金投入渠道的多样化，主要为民间商业资助和国际艺术资金。其次，艺术生产者依靠资助进行创作。主要不依靠政府资助而依靠市场体制外的艺术家以及一些当代的艺术推广机构构成了当代中国艺术生态中较有活力的主体。最后，艺术产品获得市场回报，资本与艺术开始有了紧密的联系。以上所述的资金、生产和市场链条构成了艺术生产与再生产的动力循环体制。第三，艺术产业与艺术传媒。艺术产业是从经济角度去看待艺术创作与生产，将艺术理解为一种类工业化的，有一定标准与规模的产品的生产、传播与消费的概念。它既满足了公众的精神文化需要，也创造了更多的利润。艺术传媒从广义上而言是艺术品从生产到消费的所有中介，例如电影院。而从狭义上讲，是专指以艺术为主要内容的大众传媒机构。从产业的角度看，艺术传媒的作用被凸显，即传播，因为只有经过广泛的传播艺术品才能称为艺术商品。我们在注意到产业与传媒带来的经济效益和生产力的同时也需要注意到艺术的功利性，过度强调产业会带来艺术的媚俗化问题，而过度强调传媒必然会突出中介而淡化内容意义。所以应以公正标准和良好品味去宣扬高水平艺术。第四，艺术批评体系。二十世纪八十年代以来，新的艺术理念与观念对应着新的艺术现象，艺术批评、观念与理论的更新也对应着新的艺术形式的兴起。当代艺术创作的兴盛与批评的兴盛相生相伴，艺术理论与批评能为先锋艺术正名、授权并赋予合理性。第五，艺术学科体制。是指由国家各级艺术教育体系与高等艺术学科制度构成的艺术人才培养与学术研究相互构融的制度。艺术教育保障了艺术人才的制度性培育与供应，艺术学科为艺术的崇高价值提供了体制支持。艺术学成为一门学科则表明了艺术在学术体制中的位置获得了确立，作为一门学科门类的艺术学不再仅仅是技艺，而是具有更高的文化品位与理论研究的意义。通过对当代中国艺术体制主要的五个方面进行了分析，可以见出艺术体制实际上是一个多种要素和市场进行协作与斗争的社会场域，尽管艺术体制是一个很强的解释范畴，但仍要重视艺术作品内在的兴辞（通过某种表现手法，引起公众的兴致和美感）特质。

　　艺术生产理论是马克思提出的，将“艺术”和“生产”联系起来考虑，从生产实践出发考察艺术问题，把艺术看成一种特殊的精神生产，满足人的审美需要首先艺术生产理论揭示了艺术的起源、性质和特点。从艺术的起源看，离不开人类的社会实践生活。早期与生产劳动实践有着直接的联系，表现为劳动工具和劳动成果，后期随着生产力的发展，艺术逐渐独立出来满足人们的精神生活。从艺术的性质，艺术是一种完成了审美主客体的统一的实践，一方面是对客观社会生活的反映，另一方面是艺术家主观的审美理想和情感愿望，艺术具有主观性、形象性、审美性其次艺术生产理论阐明了两种生产的“不平衡性”。艺术作为一种特殊的社会形态，它的发展不能脱离一定时代的物质生产条件，即一定是在一定的经济基础上形成的。但艺术又具有相对独立性，主要体现在艺术的繁荣与社会物质生产的发展呈现出不平衡的现象，以及它不仅影响其他的精神生产，而且反作用于物质生产。【例子19世纪俄国经济十分落后】最后艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。艺术生产理论把艺术创作-艺术作品-艺术鉴赏这三个相互联系的环节当成一个完整的系统来研究。艺术创作是艺术的生产阶段，艺术作品是艺术生产的产品，艺术鉴赏是艺术的消费阶段。艺术作品被艺术家生产出来必须适应欣赏者的消费需要，同时艺术欣赏反过来又成为刺激艺术生产的动力，推动艺术的发展。艺术生产理论把三者统一，真正揭示出艺术作为一个特殊的社会意义形态和精神生产所具有的本质特征。【商品属性可以和揭示艺术系统的奥秘联系起来】

　　艺术的特征形象性是主观和客观的统一，形象是具体的，感性的，也体现出作者一定的思想感情。顾闳中《韩熙载夜宴图》；西方文艺复兴时期的作品

　　内容和形式的统一。反面例子：刘安的《淮南子》“画西施之面，美而不可说；规孟贲之目，大而不可畏，君形者亡焉”正面例子：谢赫六法，气韵生动和骨法用笔的结合

　　个性和共性的统一。既有鲜明的个性，又有广泛的社会概括性。黑格尔认为《荷马史诗》中，每个英雄都是一个完满的有生气的人，也都是许多性格特征的总和。

　　主体性艺术创作具有主体性特点，艺术创作离不开社会生活，离不开创作主体的创造性劳动。能动性和创造性巴比松画派《拾稻穗的人》赵孟頫画马，师法唐人，但师其意不师其形，形成及独特的风格，代表作，《秋郊饮马图》

　　艺术作品具有主体性特征，强调艺术作品的独一无二性。艺术欣赏具有主体性的特点，欣赏者的鉴赏水平和审美能力不同，在审美感受上形成差别

　　审美性人类审美意识的集中体现。只有那些给人以精神上的愉悦和快感，也就是具有审美价值或者审美性的人类创造物，才能称为艺术品。是真、善、美的结晶。艺术是通过艺术家精心创作的艺术形象，化善为美，化真为美。同时生活中的丑经过艺术家能动的创作也变成了艺术美【伪君子-达尔丢夫-无耻伪善者】是内容美和形式美的统一黑格尔，美是理念的感性显现

　　真实性艺术反映客观世界的真实艺术真实：这里艺术可以认识世界、反映现实生活，但是它不是呈现实际的生活，而是根据客观的实际生活反映出事物和世界的本质。即一方面艺术可以生动再现客观事物的形象，使其形象鲜明生动，另一方面，这些形象不是现象的真实，而是艺术家通过主观能动性达到的本质真实，即对生活本质的把握。

　　艺术反映主观世界的真实情感的真实

　　高度真实的艺术形象和艺术典型

　　补充王一川传媒性、兴辞性、兴象性、语境性、兴蕴性

　　艺术的社会功能【再看】审美认知作用主要是指人们通过艺术鉴赏活动，一方面可以更加深刻地认识自然，另一方面也可以认识社会、认识历史、认识人生。后者体现在艺术因为具有反映和创造统一、再现和表现统一、主体与客体统一等特点，往往能够更加深刻地揭示社会、历史、人生的真谛，更能够反映社会生活的深度和广度，并且常常通过生动感人的艺术形象，给人带来难以忘却的社会生活知识

　　审美教育作用主要是指人们通过艺术欣赏活动，受到真、善、美的熏陶和感染，思想上受到启迪，实践上找到榜样，认识上得到提高，在潜移默化中，其思想、感情、理想、追求发生深刻的变化，从而正确地理解和认识生活，树立起正确的人生观和世界观。艺术的审美教育作用，在很大程度上是通过艺术作品，使读者、观众和听众感受与领悟到博大深厚的人文精神。主要有三个特点以情感人潜移默化寓教于乐

　　审美娱乐作用艺术的审美娱乐作用，主要是指通过艺术欣赏活动，使人们的审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，愉心悦目、畅神益智，通过阅读作品或观赏演出，使身心得到愉快和休息

　　席勒的“美育”【看赵坚p21】

　　艺术发展论艺术起源艺术起源于“模仿”是一种认为艺术是对客观世界的模仿的艺术起源学说，是艺术起源问题中最古老的说法。首先，古希腊哲学家德谟克利特就认为艺术是对自然的“模仿”。他说：“从蜘蛛我们学会了织布和缝补；从燕子学会了造房子；其次，在他之后的古希腊哲学家亚里士多德更进一步认为模仿是人的本能，模仿社会和自然界。【所有的文艺都是“模仿”。不管是何种样式和种类的艺术，“这一切实际上是模仿，只是有三点差别，第一：模仿的媒介的不同（颜?、声?、语?等）；第二：模仿的?式不同（史诗，抒情诗，戏剧等）；第三，模仿的对象的不同：好?（悲剧）、坏?（喜剧）、情节、思想。因此，亚里士多德强调，所有的艺术都起源于对自然界和社会现实的模仿。他正是以模仿论为基础建立起自己的诗学体系，并以此来解释艺术的起源和本质。亚里士多德的“模仿论”，在欧洲雄霸了两千余年。】最后模仿说有一定的合理之处，早期原始艺术“模仿”占相当大的成分，并且也肯定艺术来源于客观世界，但是它为揭示艺术的本质，所以未能说明艺术产生的根本原因。

　　艺术起源于“游戏”是18世纪德国哲学家席勒和19世纪英国哲学家斯宾塞提出来的艺术起源学说，也被称为席勒-斯宾赛理论。首先，游戏说认为艺术起源于人类游戏本能。主要体现在两方面，一方面，人类具有过剩的精力。另一方面，人类将这种精力投身于没有实际效用的、无功利目的的活动之中。席勒在其著作《美育书简》中提出，人的游戏冲动实现了感性冲动与理性冲动的协调，使人在游戏中摆脱自然和理性的束缚，获得真正的自由，获得理性和感性的和谐统一。斯宾塞则进一步强调艺术就是人类过剩精力的发泄。这些精力没有实际的功利目的，不维持生活必须，使人在发泄中获得快感和美感。其次，游戏说具有一定的合理性，第一，它承认了艺术是一种特殊的精神活动，主要是满足人的精神需求，具有超功利性。第二，它肯定了人只有在不为生活所迫、满足衣食住行的情境下才能有精力从事艺术创作。最后，游戏说有自身的局限性。第一，它仅仅从生理学和心理学的角度出发，无法真正解释游戏产生的原因。第二，这种说法把“游戏”看作人类和动物的本能，二者的精力过剩没有本质的区别，忽视了人的社会性和实践性，剥去了劳动和实践的本质。

　　艺术起源于“表现”是一种认为艺术起源于表达人类思想情感需要的学说。首先，意大利美学家克罗齐首次系统地以理论方式提出这种说法，他的美学思想的核心是“直觉即表现”。从这一美学思想出发，克罗齐认为艺术的本质是直觉，直觉的来源是情感，直觉即表现，因而，艺术归根结底是情感的表现。其次，英国史学家科林伍德对克罗齐是的“表现说”作了进一步的详尽发挥，认为只有表现情感的艺术才是所谓真正的艺术，艺术就是艺术家主观想象和情感的表现。这一学说也被称为“克罗齐—科林伍德美学。最后，美国当代美学家苏珊朗格认为艺术是人类情感的符号，艺术表现人类的情感，艺术活动本质是创造表现人类情感的符号形式艺术确实要表现情感，但把艺术的起源归功于“表现”，把现象当本质，忽视了生产实践的作用

　　艺术起源于“巫术”是产生与19世纪末，20世纪初的认为艺术起源于巫术的学说首先，英国人类学家爱德华泰勒在他的著作《原始?化》中首次提到了艺术起源于巫术的学说，他认为原始人的思维方式同现代人有很大的不同，对原始人而言世界万物都是异常陌生而神秘的。他们思维的主要特点是万物有灵，自然界的一切都可以与人进行交感。【人们在周围的万事万物与自身之间寻找或者搭建起一种神秘的、不可?说的联系，并希望借此理解、控制甚?征服?然。】其次，英国人类学家弗雷泽在他的著作《金枝》中提出，原始部落的一切风俗、仪式和信仰都起源于交感巫术。最后，各种艺术形式都与巫术和宗教有着密不可分的关联。托?斯门罗说：“原始歌舞常常被原始?用来保证巫术的成功”。泼水-下雨。鲁迅认为绘画源于“禁咒”，绘画最早是一种服务于人类祈福、暗示、庇护心愿等原始思维的产物；?纹鸟纹象征着男根?阴、?性的裸体雕像与生育联系。总而言之，巫术说是西方学界最受欢迎，影响最大的起源学说。但是在对早期装饰艺术的考察和对人类思维认识结构的分析中发现，艺术也许是基于人们普遍的审美，早就存在。从逻辑上说，艺术并非“起源”于宗教和巫术，后者可能只是为前者的审美性和实?性提供了相互统?的机会。

　　艺术起源于“劳动”劳动说是起源于19世纪末，1900年俄国的普列汉诺夫斯基在《没有地址的信》中得出了艺术发生于“劳动”的观点。内容 劳动创造了?，人是劳动的产物，也是艺术创造的主体史前诸多艺术留下了劳动场?或过程的记录——证据层?灵巧的双?为艺术的产?提供?理和物质基础，这?基础是劳动实践的结果人类的?产活动是一切精神活动的前提，人必须在保证?存的前提下，才能从事艺术活动

　　评价积极评价：强调实践、肯定了艺术的物质活动性，强调艺术的社会本质、从基本的历史观层?看是合理的。 消极评价：艺术的发展不止一个方面，单一的强调劳动而其他的因素是不全面的。“机械唯物主义”和“单一唯物论”【意识先于劳动，劳动和艺术都是意识能力的体现：原始人类制造劳动工具，必须以认识能力，即高度发展的意识水平为基础。意识，才决定石器的制造是劳动实践而不是动物本能化的生存行为，才是整个人类活动和人类文化的起点，把文化从自然中分离出来。艺术创造所必须的意识能力，均在人类之前的阶段就已经完成了基本储备，劳动同样是以这种意识能力的储备为基础的，所以在逻辑上，劳动和艺术都是意识能力的体现。】不应该把生存需求理解为艺术的基础：第一，普列汉诺夫的劳动说机械地将马克思主义哲学理论迁移到了艺术研究领域：从作为意识形态的艺术是由经济基础决定的这一结论推导到人类必须通过劳动满足口腹之欲，进而才能从事精神层面的创造活动这一结论。但是从人类早期的生存状态来看，“先吃饱再创作”的状况可能并不存在，或者并不总是发生。

　　“形而上学”倾向和循环解释上语言游戏，设立“意识和人都是劳动的产物“这一个基本前提，推导出了一个抽象的结论，艺术是劳动的产物，这种语言游戏类似于“先有鸡还是先有蛋”的问题，陷入了“形而上学”倾向和循环解释上。

　　多元决定论 “多元决定论”的理论基础可追溯到法国结构主义学者阿尔都塞。他将“结构主义符号学”和“精神分析学”结合起来，用于分析马克思主义关于经济基础和上层建筑的理论，他认为：社会发展不是一元决定的，而是多元决定的，同样对于艺术的产生，都有多种多样的复杂原因，而不是由一个简单原因造成的，故以此提出艺术起源于多元要素的观点。艺术的产生经历了一个由实用到审美，以巫术为中介，以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要，表现的冲动和游戏的本能。艺术的产生虽然是多元决定的，但“巫术说”和“劳动说”最为重要，从根本上来讲艺术的起源归结于人类的实践活动。【如果是简答题，起源的具体学说展开写】 艺术起源于劳动，艺术的产生离不开生产力的发展，艺术的起源最终应该归结于人类的实践活动，马克思主义强调“实践”，是把这?内在的、决定性的要素理解为起源的“本质?量”，这一因素决定着其他因素的产生和发展，成为艺术发展的根本动力。艺术起源于游戏，是无功利性的艺术起源于巫术，是人类早期的精神活动马克思主义的学说是以哲学的方式，赋予实践和劳动以本质驱动力的身份，在这个基础上开展对艺术诸要素之间复杂联系的考察，构成一个发展和开放的理论构架。

　　艺术的自律性和他律性【参考赵坚p227-】艺术的他律性关于艺术他律性单独论述【赵坚p228】艺术与日常生活首先，艺术源于生活且高于生活。且反映全面的社会生活社会生活是艺术创造的源泉和基础，但艺术美高于现实美。艺术家通过创造性劳动，把现实生活中的真善美凝聚到了艺术作品之中。艺术中的真不等于生活中的真，而是将生活真实升华到了艺术真实，也就是化真为美。艺术中的善也不是道德说教，同样要通过艺术家的精心创作，使艺术家的人生态度和道德评价渗透到艺术作品之中，也就是化善为美，体现为生动感人、有血有肉的艺术形象。如宋代著名画家张择端的《清明上河图》，取材于真实，体现了汴京各阶层人民的现实生活，是真善美的有机统一。艺术不仅可以反映社会的经济关系、社会关系和阶级关系，还可以反映人们的政治观点、法律观点和道德观点

　　再次，艺术家与社会生活的关系也十分紧密。首先，艺术家通过对社会的直接体验和间接体验创造出了伟大的艺术作品。高尔基的自传体《童年》《在人间》《我的大学》就是以自己青少年时代的经历为素材撰写的。而列夫托尔斯泰通过在家乡听闻一个贵族青年对一个女仆始乱终弃的故事，激发了他的创作灵感，最终写出了长篇小说，《复仇》

　　最后，历史上，艺术与日常生活存在着密切的联系。原始社会，艺术处于起始阶段，与人类日常生活并没有截然的分离。彩陶用于炊煮，岩画出于巫术绘制用来得到某种力量猎物，兽牙项链用来区别族群。这些事物出于审美的需求，更重要的是满足人们日常切实的生活需要而被创造。

　　封建社会：生产力发展，阶层分化后，艺术从阶级和是否具有实用性角度来说都有了更加细致的划分，但这些艺术也与日常生活息息相关。宫廷艺术、贵族艺术艺常将日常生活中的实用器物会被设计成美轮美奂的艺术品。（马王堆汉墓的纺织品、切利尼的盐盒本）今天这些被我们放在博物馆视为的艺术品，在诞生的年代，是生活用品，融入皇宫贵族的生活，把美带给日常生活的实用品。属于文化精英阶层的高雅艺术：在中国古代，包含音乐、戏曲、书法、绘画的“六艺”、并不是被单单视作于日常生活之外，仅用于欣赏的审美对象，更是体现了士大夫对宇宙精神“道”的体悟，是构成他们日常风雅生活的重要内容。底层大众的民间艺术：剪纸、绣花、年画装扮着日常生活中的衣食住行、伴随着岁时节令，民俗活动，婚丧嫁娶等。

　　近现当代：媒介的兴起和观念的改变使得艺术与日常生活的关系更加紧密：艺术制作和传播的手段与媒介不断发生着更新和变化，使得艺术与日常生活的关系更加紧密。首先，印刷机、摄影、电视等工具和媒介的发，推动着艺术具有了前所未有的传播速度和范围，人们开始越来越容易接触到艺术作品。艺术从音乐厅、美术馆这些圣殿，走向普通人的日常生活。其次，电子媒介催生了新的艺术形式，改变了文化的自身形态。报纸、杂志、电影、电视等大众文化和流行文化的出现，打破了艺术原有的边界，我们大多数人都被这些大众艺术、流行艺术包围最后，前卫的高雅艺术将日常生活中的物品直接转化为艺术品，打破了艺术与非艺术的界限。“日常性”成为当代艺术做重要的策略之一。《泉》1917年，达达主义 马赛尔杜尚 独立艺术家协会 -纽约 -小便池

　　当前媒体环境下艺术与日常生活的关系问题：当前媒体环境的特征和具体表现：新媒体诞生。其特征：交互性、即时性、海量性、共享性、全球化。表现：互联网无孔不入，电脑、手机、移动电视占据了人们相当比例的时间；人们碎片时间使用互联网获取信息；人们可以便捷地获取和接触他们感兴趣的任何信息，并支付很少的钱或者免费。

　　艺术与日常生活的关系因新媒体的介入而出现的新特征——媒体文化的产生：手机和电脑的普及，使更多人接触到了艺术，享受或利用到艺术——受众；艺术得以迅速流传，成为人们随时随地交流互动的方式——流行音乐、流行文化；艺术家也在利用新媒体环境，进行艺术上的新探索【手机摄影、网络电影等】（第二章新媒体艺术）——创作者；艺术可以成为普通人张扬个性，确立自己文化身份的手段；在新媒体环境下，艺术与商业、政治等其他文化因素的关系较以往也更为复杂和紧密。

　　人们对媒体文化的态度：两种观点：乐观的，有人对媒体文化、连带地对大众文化和商业文化报以乐观态度；也有人产生了不安，出现了媒体操纵论和媒体控制论，认为媒体是社会控制的一种力量，把商业或者政治的占优势的艺术形态强加给了人们，使人们在无聊琐碎的生活中迷失；具体看待：人类社会发展的每一个历史时期，都有与之相应的文化形态，媒体文化正是今天自然而然产生于这个时代的文化形态，这种文化内部有其丰富的结构和并不单一的功能（具有两面性）。媒体发展是自然而然不可阻挡的事情，对此人是需要不断警醒和自我调整的，而且人也是具有这种能力的，那些对新媒体带来的变化产生担心的现象，本身就是努力自觉调整的一种体现。人类媒体的进步，都会使得文化的平民性得到前所未有的延展。

　　当前媒体环境下艺术与日常生活关系的总结：艺术和日常生活的这种关系一方面是密切无比的，一方面也在二者之间产生了一种巨大的张力。二者既相互肯定又相互背离，在紧密融合的同时相互利用，扩张着自己的场域，前者体现在：艺术更深入地走入日常生活，艺术变得生活化，或者说生活变得艺术化。后者体现在：艺术不断利用媒介产生新的资源，不断地界定，用改变着人们熟悉的日常生活中大众艺术的形象，实现对大众的疏离。

　　艺术和日常生活的边界会永远保持下去，只是随着二者关系的不断变化，它们之间的边界也在不断地进行更新。

　　艺术与哲学艺术与哲学的关系哲学是关于世界观和方法论的学问，它主要研究自然界、人类社会和人的思维等领域中带有普遍性的规律。哲学主要通过美学这一中介对艺术产生影响。同时，艺术也可以通过审美创造，传播和体现一定的哲学思想，从而对哲学的思维及思考产生启迪。哲学和艺术的相同点：对现世的关照哲学与艺术的相互作用哲学对艺术的影响艺术家在从事艺术创作中，总会自觉或者不自觉的受到特定哲学思想的影响，并通过自己的艺术作品表现或者表露出来。举例子：李白的审美理想深受道家天然之美的思想影响，

　　哲学推动一批哲理性的艺术作品的出现。道家的道提倡“有”与“无”的统一，注重虚实结合，出现了中国画的留白。八大山人画鱼，只在画的一角上有鱼，其他全是留白。中国戏剧的两三人可当千军万马。宋代格物致知——注重写实手法，《清明上河图》卡夫卡深受存在主义哲学家克尔凯郭尔非理性主义的哲学思想的影响，创作了影响表现主义、存在主义、荒诞派的《变形记》，体现出了资本主义社会人的孤独感和冷漠感。

　　哲学促进艺术思潮和艺术流派的形成。现代主义中一个重要的流派超现实主义就是以唯心主义哲学家柏格森的直觉主义为理论基础。柏格森把所谓的，从唯心论和神秘论的立场出发，认为只有人的梦幻世界或者直觉领域才能到达绝对真实，因此称为超现实。在绘画领域有达利的《时间的永恒》，在电影界有布努埃尔的《一条安达鲁狗》。

　　艺术对哲学的影响哲学家对艺术的思考，往往成为哲学体系的重要组成部分。如尼采的日神和酒神说。艺术作品可以传播特定的哲学思想。如唐代张彦远在《历代名画记》中说绘画的作用就是“成教化、助人伦”，体现了儒家认为艺术应体现其社会作用的哲学思想。萨特

　　哲学和艺术的不同点地位不同：哲学代表着人类理性的最高形式，艺术代表着人类感性的最高形式，二者一起构成了人类精神的两座高峰哲学与艺术在掌握世界的方式上迥异：哲学使用理性的逻辑来追问着终极本质，以理服人，通过方法论影响社会生活；艺术虽不排斥理性，但以感性认识为主，体现着一种情感的力量，通过情绪感染影响人的行动进而影响社会生活。反映社会生活的方式不同：哲学是以抽象的概念思维活动来反映客观世界，艺术必须创造出可知可感的形象来解释事物的本质。

　　西方现代哲学与现代派艺术现代哲学内容西方现代哲学是19世纪中叶以来众多的欧美哲学思潮和流派的总称，西方现代哲学在本体论上，大多具有唯心主义色彩，在认识论上大多具有非理性主义色彩，在人生哲学上大多具有悲观主义色彩。西方现代哲学对西方现代文学艺术产生了极大影响，完全可以说，如果没有西方现代哲学作为理论基础，就不会有所谓西方现代派文学艺术。尤其是不少西方现代哲学的代表人物，更直接运用各种文学艺术形式来体现他们的哲学思想，例如尼采、柏格森、克尔凯郭尔、海德格尔、萨特、加缪等人，都曾经写过文学作品

　　现代派艺术的的种类及内容和形式上的特点二者关系哲学对艺术：西方现代哲学成为现代派艺术的思想根源，它不仅影响和渗透了现代派艺术的主题、题材、情节、场面等内容范畴之中，而且直接影响和改变了现代派艺术的艺术形式和表现手段。超现实主义之于弗洛伊德的精神分析学说；抽象表现主义之于存在主义哲学和实用主义哲学；象征主义之于叔本华的主观唯心主义哲学。尼采的思想和“对应论”的思想（朗香教堂）

　　艺术对哲学：西方现代派艺术用艺术的方式宣传了西方现代哲学各流派的思想，其由于拥有众多的读者和观众，反过来扩大和深化了西方现代哲学的影响。二者之间的这种密切关系，完全可以用一句话来概括：有一定的西方现代哲学流派，就会有相应的西方现代艺术流派。

　　现代艺术与哲学（赵斌-不要背）现代艺术对哲学：艺术弥补了以往理性哲学的不足，甚至“艺术比真理更有价值”，艺术凌驾于包括哲学在内的所有真理之上。尼采的日神精神和酒神精神。日神阿波罗代表的是理性和秩序。酒神狄奥尼索斯代表了原始本能的激情和情感的放纵。尼采充分肯定了酒神精神，认为酒神精神是一切艺术产生的最终根源和原始动力。在酒神精神中人不再被道德和规范压抑，自我得到了释放，在这种释放中人才感受到了一种与宇宙本体融为一体的感觉。这种状态是人生最高的境界，而艺术可通达这种境界，因此艺术获得了比理性更高的境界。弗洛伊德的潜意识理论：潜意识包括原始的本能冲动和欲望，不为人察觉，但支配者人的一生，只能在幻想中、梦中和艺术中得到满足。无论在尼采还是弗洛伊德那里，人的本能情感和欲望都有着比理性和逻辑更为本质的力量，他们同时又认为，艺术是人情感和欲望的承载者，于是在人类历史上艺术获得了前所未有的主要地位，其重要性甚至是以理性和逻辑思维见长的哲学也无法比的。

　　哲学在现代艺术发展中起到的作用：哲学对现代艺术的影响空前加深（赵斌-不要背）观念在艺术之中变得日益重要，而哲学成了艺术观念的重要源头。西方现代哲学成为现代派艺术的思想根源，现代派艺术又于艺术的方式宣传了西方现代哲学各流派的思想。西方现代哲学对现代艺术的影响极为深刻和广泛，它不仅影响和渗透了现代派艺术的主题、题材、情节、场面等内容范畴之中，而且直接影响和改变了现代派艺术的艺术形式和表现手段。哲学对艺术的影响，建立的基础是它们所处的共同的时代背景和环境，相同的境遇有时会让哲学和艺术作出一致的反应。20世纪中叶，“二战”结束后，欧洲满目疮痍，旧有的价值体系被打乱，稳定的资本主义关系被动摇，社会对理性主义哲学和资产阶级人道主义普遍感到失望。思想界力争摆脱“理念”的虚妄幻想，于是出现了一系列反理性色彩的哲学观点。对艺术的影响，如在电影思潮方面，巴赞“存在先于含义”的纪实的电影美学观既可以看做是当时哲学思想的影响，同时这也是面对共同的环境，哲学和艺术作出的不约而同的反应。这种美学观认为蒙太奇体现的是理性的逻辑与明晰，而长镜头符合其所倡导的多义性和不确定性，这恰恰显示了现代主义哲学中非理性的特征

　　当前艺术的一个不可忽视的现象是，艺术在观念上已经越走越远，艺术由观念建构。观念在艺术中的作用非常大，艺术愈来愈依赖理论才能作为艺术存在的事物，以至于哲学式的纯粹思考的光辉甚至要盖过艺术本身，哲学似乎要取艺术而代之。如钢琴曲4’33；安格尔《泉》艺术终结论：阿瑟丹托：最近的艺术产品的一个特征就是关于艺术作品的理论接近无穷，而作品客体接近于零，结果在终点存在着纯粹形态的理论。黑格尔认为艺术终结论所谈的，是关于艺术与人类的关系，艺术的使命已经完成，它完全疏离了人们的日常生活和宗教生活，艺术意境转换为观念，人们只是从哲学上、思辨上来对艺术加以认识。用丹托的话来说，艺术不是已经死亡或者停止，而是转向哲学。由此可见，哲学在现代艺术发展中所起到的无限的指导性和引导性。艺术和哲学最终混为一体的命运是可预见的。

　　简述东西方历史上哲学对各自艺术的影响 东方：中国古代思想的主体是儒道互补【可与《中国文化读本》、第三章中国文化观念结合】儒家艺术的标准“尽善尽美”——《论语》中讲道：子谓《韶》：尽美矣，又尽善矣。强调艺术在社会道德中产生的积极作用，当儒家思想成为官方统治思想后，这一艺术观成为中国艺术中一种强有力的传统。体现在艺术上（具体例子）：历代名画记中绘画的作用；谢赫《古画品录》；帝后肖像图；步辇图；梅兰竹菊“四君子”。道家的“道”，中国古代将艺术的最高境界视为对“道”的追求。道是“有”与“无”的统一，但“无”更具有本源性。具体表现在中国艺术重“虚”与“实”的对立统一关系，尤其是在“虚”上做文章；中国画的留白；戏曲舞台上两三兵卒可当千军万马；中国古代重意境，境为象外之象。

　　佛教【《中国文化读本》】宋代理学的“格物致知”——宋代绘画注重写实手法，讲究对客观事物细致的观察分析《清明上河图》明代阳明心学的兴起，艺术家从心学中找到创作依据，画作直抒胸臆，张扬个性

　　西方：模仿论——再现论——表现论——形式论一步步转变对艺术的影响、

　　艺术与宗教宗教是人类社会发展到一定历史阶段出现的一种文化现象。它相信现实世界之外存在着超自然力量，这种力量控制着人类的命运，因而人类对它绝对服从、敬畏和崇拜，从而引申出信仰认知和仪式活动。每种文化都包含或多或少的宗教信仰，给人以心理安慰。艺术与宗教的关系同一性：艺术和宗教均属于意识形态范畴，首先它们均作用于人类的情感，慰藉人们的心灵，陶冶情操，有助于确立道德伦理；其次它们都是对社会生活的形象反映、全面的反映社会的经济、政治、法律。相互作用艺术与宗教在起源上密切相关，史前社会，二者以一种混合的形式把握世界。生产力低下，原始的歌舞、雕塑、绘画、表演在当时是作为巫术或者其他原始宗教活动的一部分进行的。中世纪【考试就写这一部分即可】。宗教对艺术阻碍作用：宗教对艺术的影响，从根本上是说，是对艺术的否定。宗教艺术在形式和内容上都有较强的规定性，使得艺术受到约束和限制，不能完全按照自己的规律去发展，艺术作品容易程式化和僵化，在一定程度上阻碍了艺术作品的发展和独立。有人将中国古代宗教统摄下的艺术称为“神学婢女”促进作用：宗教利用各种门类的艺术来宣传宗教，为艺术提供素材和内容；宗教在人力、物力、财力上提供支持，客观上促进了艺术的发展【北魏皇家-云冈石窟】；宗教对于艺术自身性格的塑造也有重要作用，艺术的内容、形式、门类、审美类型等的形成和发展与宗教密切相关，特殊的宗教目的与情感催生了历史上许多伟大的艺术与形式【格里高利圣咏-基督教音乐；哥特式建筑-基督教建筑；禅画】

　　艺术对宗教 参与宗教活动带有宗教性质的原始宗教祭祀仪式；基督教唱诗班；弥撒曲

　　宣扬宗教思想唐代产生了“变文”这种宗教宣传方式，将大量佛经故事用通俗易懂的方式传播给群众。

　　强化宗教氛围哥特式建筑

　　艺术在宗教的束缚下发展到一定时期，又能重新找到自己的独立地位，利用宗教实现自己的本质。同一宗教题材，不同的艺术家、不同的地域、不同时期的作品是截然不同的，因为图像总有部分含义文字无法进入。（耶稣被犹大出卖）

　　不同：艺术面对的是作为社会现象的人，揭示出生活的丰富性，让人认识和感知现实的世界；宗教主要表现的是人的神性意义，让人走向虚无缥缈的彼岸世界。【对人的意义的不同】在认识评论上：艺术是将模糊的情感和直觉付诸形象，其中需要加入理性的因素；宗教认为艺术作品并不是反映世界的本质，只不过是对完美、绝对、理想的宗教世界的一种提示，宗教将人的思想情感引入所谓理想和完美的彼岸世界。

　　启蒙运动带给宗教的不仅仅是宗教艺术的衰落，更严峻的是对宗教自身的否定，人们试图寻找一种可以代替宗教的社会机制，而这种替代的职责落到了艺术的头上。韦伯称，审美为现代社会提供了某种世俗的“救赎”，它与宗教并行，取宗教而代之，成为新的精神依托、第二教主。【可不写】20世纪初的中国，蔡元培提出了以美育代宗教；林风眠：以艺术代宗教；沈从文、朱光潜，“以文学带宗教”

　　20世纪以来，宗教不但没有衰弱，在某些方面却更加活跃。对于未知的领域，宗教依然填补着人们心中的缺失，为那些心灵创伤无法弥合的人们提供慰藉。现代社会，科学和司法已经从有些宗教中分离开来，但是道德培养和心理安慰的功能还继续存在。只要人类最为深层的生命困惑存在，宗教就必然存在。艺术缺乏宗教所具有的终极关怀和神性维度，因此艺术并不能代替宗教，宗教也将长期存在。

　　总结：在现代人的生活中，宗教生活以及宗教艺术在日常生活和艺术中所占的比例下降了。但是宗教艺术并没有停下发展的脚步，宗教吸收了新的艺术风格，形成新的宗教艺术形式——法国闻香教堂。在未来，宗教艺术依旧是艺术中不可忽视的重要的组成部分。【并且在艺术和宗教长期的历史接触中，宗教已经把自己的症状和属性转入艺术之中，与此同时，艺术也早已钻进了宗教的藩篱，改变着宗教最初的性格。】

　　艺术与政治（去年考过）“意识形态性”是马克思主义对于艺术本质的重要论断，是对艺术本质迄今为止最为深入和充分的认识。马克思主要从艺术和政治的关系层面，来论证“艺术的意识形态性”的，因为政治是意识形态性最直接、最根本的体现。政治和艺术都是经济的反映，不是决定与被决定的关系，而是相互作用相互制约的关系。（意识形态通俗意义上即为政治）【答题点】政治上层建筑与思想上层建筑的关系来论述艺术与意识形态性的关系（可看彭吉象补充）：艺术与政治都是经济的反映，都是建立在经济基础之上的上层建筑。政治上层建筑在阶级社会指政治法律制度和设施，主要包括军队、警察、法庭、监狱等。思想上层建筑包括政治法律思想、道德、宗教、文学艺术、哲学等意识形态。思想上层建筑（艺术）和政治上层建筑（政治）不是决定与被决定的关系，是相互联系、相互制约的。政治上层建筑一经形成，就会强烈影响思想上层建筑，要求一定的思想上层建筑与它相适应。同时，思想上层建筑为政治上层建筑提供思想理论根据，政治上层建筑为思想上层建筑的传播和实施提供重要的保证。政治和艺术共同作用与经济基础之上，但艺术与政治相比，从与经济的距离来说，“政治是经济的集中表现”，政治与经济的关系是最近的，在全部上层建筑中处于主导的地位。而艺术与经济的关系却不是直接的，它必须通过政治、法律、道德等中介，才能达到为经济基础服务的目的。 在上层建筑中，政治为主导，国家政权为核心，统治阶级的思想占统治地位，这些意识形态必定对艺术具有一定的支配性、影响性。

　　政治和艺术的相互作用政治对艺术的影响政治利用艺术为自己服务中国古代认为艺术有着“成教化、助人伦”的功能，这一功能恰能满足其实施政治统治、维护政治安定、宣扬政治者威严的需要。例子：《康熙南巡图》，通过展示康熙南巡的盛世，宣扬了统治者的权威，维护社会稳定。为了维护奴隶主贵族及新兴封建贵族的统治，满足其奢侈生活的需要，工艺美术及雕塑、绘画、书法、建筑等均获巨大发展

　　政治对艺术发展的有着直接重大的作用。赞助和提倡（人力、物力、财力的保障），促使消耗巨大的艺术品得以完成——凡尔赛宫和故宫统治者的好恶直接影响到艺术的内容、风格、创作手法和艺术家个人的魅力——北宋宋徽宗“画院”、“瘦金体”；宋徽宗将画家的地位提到了历史最高的地位，他自创的“瘦金体”广为流传，把诗情画意融入古代园林，以典型、概括的山水创作为主题，对中国园林艺术影响深远。政治的兴衰会影响到艺术的发展繁荣时期推动艺术的发展——唐朝开元天宝年间诗画（吴道子、李思训）音乐（《秦王破阵图》和《霓裳羽衣曲》）政治上的兴衰和艺术上的兴衰不同步——汉末魏晋南北朝，文艺进入到了一个自觉的时期。谢赫六法、王羲之、广陵散。

　　政治对艺术产生制约作用，约束艺术，在政治的高压下，使艺术沦为政治的工具——文革的样板戏、三突出、题材限制、“高大全、红光亮”

　　艺术对政治的反作用艺术作用于人类的情感，具有政治手段不具备的特征，不可替代——阿尔都塞“意识形态性”理论，将艺术等意识形态视为“意识形态国家机器”。艺术总是不自觉的体现意识形态，但更为隐形、多元，更为增加认同性和潜移默化性。资料p21艺术对政治还可以起到讽喻政治、揭露政治黑暗的批判作用。——中国近现代反封建反压迫的作品《天涯歌女》、《风云儿女》、《大路》艺术还可以起到推动政治进步，助力于政治变革的作用。新文化运动——提倡现实主义，五四运动，社会主义思想的宣传、中国共产党的统治

　　总结：“艺术既不是意识的附庸”，艺术更不可能是纯粹的真空的艺术”，意识形态性是艺术的本质属性。1、艺术绝对地摒弃政治，不和政治发生关联，是一种一厢情愿的想法。【世界上不存在纯粹中性的意识形态，任何艺术都体现了特定的意识形态内涵】2、但我们也要认识到艺术作为一种特殊的精神生产，具有多种多样的规定性，我们不能把意识形态看成艺术唯一的规定性，而漠视艺术的其他属性，那艺术将成为政治的附庸，政治也将成为艺术发展的桎梏。

　　艺术与道德【赵坚p237-238】所谓道德，是指人们在社会生活中形成的关于善与恶、是与非、正义与非正义等等伦理观念和行为规范的总和，它随着人类社会的产生而产生，随着人类社会的发展而变化。道德作为一种社会意识形态，总是建立在特定的经济基础之上，同艺术有着特别密切的关系。道德影响艺术。首先，一定时代和一定社会的伦理道德思想总是要通过艺术作品的主题、题材、情节、人物、思想性、倾向性、内在意蕴等体现出来。其次，道德对艺术的影响，尤其表现在作家、艺术家的世界观和道德观对艺术创作有重大的影响。艺术是社会生活在作家、艺术家头脑中反映的产物，因而在描写和表现人们的道德面貌与道德生活时，必然要融入作家、艺术家自己的道德评价和道德判断。

　　艺术影响道德。首先，这种影响主要表现在艺术作品对人民群众的道德教育作用上。由于艺术具有生动、感人的形象和特殊的魅力，因此，它对道德观念的评价和道德行为的选择都具有很大的影响。其次，艺术对道德的影响，还表现在它能够对社会道德意识和道德观念的改变产生一定程度的影响。例如，五四新文化运动具有深远的历史意义，它是一个以思想启蒙为中心的文化革命运动。

　　区别：虽然艺术与道德之间有着密切的联系，但是作为两种不同的文化现象，它们毕竟有着本质的区别。从范围来看，艺术是从更广泛的范围来反映人们的社会生活的。从方式来看，道德是以概念、原则和规范来反映人与人之间的关系，艺术却是以形象来具体地描写、刻画或表现这种关系。从评价标准来看，道德往往以“善”为唯一标准，艺术往往以“真善美”的统一为标准。而且并非一切艺术作品都必须具有道德内容，如风景摄影、花鸟画、器乐曲等，并不涉及道德内容

　　艺术与科学【赵坚p239】科学技术作为人类社会一种重要的文化现象，对包括艺术在内的人类文化产生了重要的影响。科学与艺术既有联系，又有区别。联系：艺术与科学的联系有三个辉煌的阶段第一个辉煌时期是在古希腊时期。毕达哥拉斯“黄金分割率”第二个辉煌时期是在文艺复兴。哥白尼的日心说沉重打击了几千年来上帝创造世界世界的宗教传说中。达芬奇“透视法”第三个辉煌时期是在20世纪下半叶以来20世纪60年代以来，现代科技迅猛发展，对世界各国人民的物质文化生活和精神文化生活都产生了巨大的影响，尤其对艺术的渗透和影响更加明显第一，现代科学技术对艺术的影响，表现在为艺术提供了新的物质技术手段，促使新的艺术种类和艺术形式的产生。第二，现代科学技术对艺术的影响，还表现在为艺术创造了前所未有的文化环境和传播手段，为艺术提供了更广阔的天地。第三，现代科学技术对艺术的影响，又表现在艺术与技术、美学与科学的相互结合与相互渗透，对人类生活产生了深刻影响，也促进了科学技术与文学艺术自身的发展。第四，现代科学技术对艺术的影响，更表现在科学领域的重大发现对艺术观念和美学观念产生了巨大而深刻的影响，例如系统论、控制论、信息论、模糊数学等观点和方法，已经被运用到艺术创作和艺术研究之中，成为某些艺术理论和艺术批评的观点和方法。（现在的科技）

　　区别：科学是人类认识客观世界的知识总和；艺术是人类进行审美创造的最高形式。从目的上讲，科学求真，艺术求美。从思维方式上讲，科学主要运用抽象思维，艺术主要运用形象思维从具体操作来讲，科学应当客观冷静地对待事物，艺术则是一种主观色彩很浓的创造活动从成果上讲，科学理论应当具有普遍性，艺术作品必须具有独创性

　　艺术的自律性法兰克福学派/现代艺术自律体制的建构法兰克福学派【艺术的自律性和他律性】定义：是20世纪以阿多诺为代表的法兰克福学派提出的认为艺术具有自律性和他律性的双重性质，并且二者相互影响共同作用于艺术的艺术本质观。阿多诺是西方马克思主义的重要代表，他不满于艺术商品化的趋势，故继续发展着马克思主义思想，从否定的辩证法的思维出发，发展出了自己的艺术本质观，即艺术的本质由双重决定——艺术内部的自律性和外部的社会他律性（社会现实性），两者反复不断地处在既相互依赖又彼此冲突的状态，最终形成了可被我们观察到的艺术作品、艺术现象、艺术史和有关艺术的全部知识。

　　首先，艺术的自律性意味艺术不再对现实生活进?直接反映。即艺术不再以模仿为己任，反而转向了表现。即艺术更自觉地进?自我追求，更加强烈的拒绝有关金钱、资本、政治、道德任何社会功利性和目的性的要求。自律性的特点是古典的、精英的、严肃的、深度的。典型的代表有现代主义【聊聊现代主义的流派和特征】；其哲学思想有：海德格尔的艺术本源观、克莱夫贝尔的有意味的形式、席勒的形式主义美学自律的艺术不为金钱、资本、政治、道德、审美和大众，更强调艺术作为艺术的独特身份（思维方式、创作方式、技法、工具材料）。这不是一种逃避现实的形式，而是艺术内在价值的继承、延续和发展，是一种艺术的解放。

　　其次，艺术的他律性是指外在的权力因素，指政治、宗教、经济、道德因素对艺术的影响。就阿多诺认为，艺术的他律性尤其指商品的影响。晚期资本主义所诞生的消费性的商品和其背后的文化工业，不但没有对艺术的审美、形式、风格产生促进作用，反而将艺术变成了商品，商品拜物教成了（资本主义现代化社会中）艺术品和艺术消费的主要特征。艺术的自律性逐渐丧失了主导权。他律性的特征是现代的、大众的、消费性的、世俗的。马克思主义的艺术观、后现代主义的艺术/商品、古典主义/政治好莱坞大片、苹果手机背离了商品本身的价值，由于文化的加持，具有品牌的可炫耀性，时尚的美感，人们接受了附着在商品上的美学，并且由此产生了自我的文化认同。总之这些附着性的价值以不自觉地、心甘情愿的方式被消费者内化为一种自然的无意识需求，这就是商品的意识形态。

　　最后， 阿多诺的艺术本质主张艺术应该站在?律性的层?对抗他律性，明确拒绝商品和资本的裹挟，创造一套全新的艺术与现实的关系，使艺术成为批判资本主义商品的强有力的工具。【自律性】【谈谈个人的观点：二者相互调和】总之，阿多诺的艺术本质观念完成了对艺术的救赎，但也导致了当代艺术离大众越来越远。阿多诺非常重视现代主义艺术的历史价值，现代主义艺术以整体拒绝的姿态，表达出了对现实的否定和批判，以自己独特的观点、风格、形式(?律性)，在艺术与现实之间形成新的对?关系，发挥批判作用。完成对商品艺术的最终胜利，但也导致当代艺术远离?大众 。阿多诺主张通过完善艺术的自律性来发挥文化批判的功能，最终目的是要艺术走上救赎之路。即批判是方式，救赎是目的，救赎是批判的深化，艺术的救赎，不仅是拯救艺术自身，拯救艺术家，更重要的是拯救文化、文明和普罗大众。

　　现代艺术自律体制的建构布迪厄梳理了19世纪以来欧洲艺术场的自律化过程。他认为在19世纪中叶，以波德莱尔、福楼拜、马奈为代表的一股新力量在不同的艺术领域开始了对传统秩序的挑战。他们的挑战的核心不仅在于艺术语言与形式的创造，而在于对社会权力与经济资本的抗拒，并以这种决裂和独立为新的艺术原则，使得艺术场逐渐走向自主化。艺术评价的权威转移到同行圈子内，艺术家所属的小的艺术共同体的认可足以使其保持自信，拒绝金钱和短期声誉，追求业内赞誉。这种艺术家自我确认、自我立法的纯生产，除了自己产生的要求之外，不承认别的要求。这一艺术自律化的过程，与美学理论与艺术观念的支持相伴随。康德美学早已宜称美的无功利性和无目的性，席勒的美学观念也必须以艺术与社会生活实践的脱离为前提，这必定要走到“为艺术而艺术”的唯美主义路途上来。而19世纪浪漫主义时期的个人主义观念，也为纯艺术和创造性的艺术家的出现铺垫了道路。浪漫主义和康德美学的天才观最直接促成了现代的强调个人创造性的艺术家形象的出现。艺术家从此成为神圣孤高而有许多特权（比如愤世嫉俗、不遵礼法）的人。艺术自律一旦被确立，艺术品与艺术家的偶像崇拜已经变得牢不可破。现代艺术先锋艺术把为市场而作的大众生产和为政治/宗教权力和社会实践而作的古典生产排斥出去，确立了自身的崇高地位。而艺术自律的原则最终战胜了其他原则，通过将大众生产斥之为地摊艺术，将政治性社会性的写作命名为“不纯的文学”，自律性艺术垄断了艺术的合法性定义。而这种对自律性的维护实际上是为艺术家争取最大的控制权力。“维护生产的自主性，即是将艺术家所能控制的因素置于前位，即形式、方式、风格等，而非‘主题’这种外部指涉物。

　　创新/继承【去年考过】民族性和世界性【赵坚p240-241】艺术的民族性与世界性既有联系又有区别艺术的民族性就是表现民族的本质特点所形成的艺术上的特殊性，是由本民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯多种因素决定的，体现出本民族的审美思想和审美需要，归根结底源于本民族的社会基础与经济生活。民族精神是艺术民族性的核心和灵魂。艺术的世界性不是凌驾于民族艺术之上，或游离于民族艺术之外的一种所谓新艺术，而是民族艺术的一种。特征是指那些能为整个世界所共赏的民族艺术。能够深刻揭示“人的一般本性”，表现人类共同美感，真实地反映社会发展趋势和时代精神的民族艺术，才有可能具有世界性。世界艺术是表现人类共同美的民族艺术。艺术的世界性和民族性是既有差别又有联系的辩证统一关系。联系在于凡是世界的都是民族的，离开民族的，就没有世界的。差别在于，并非一切民族的都是世界的。在全球化语境下，二者处于一种既对抗又统一的网络中。民族艺术如何成为世界艺术【王一川】具有浓郁的地方色彩，但是这种地方性必须具有为多个民族所公认的价值观适应现代社会的要求，与时俱进借助现代媒介传播的力量，在现代资本的支持下走向世界

　　意义：从世界的角度考虑，精神文化丰富多彩，总比单调统一强，不同的文化艺术具有互补性。自20世纪90年代初开始，整个世界艺术逐渐从西方艺术中心主义的阴影中走出来，越来越认同艺术多元主义。在信息交流快捷频繁的今天，封闭发展已不可能，生活方式趋同、价值观趋同、审美趣味趋同，因此艺作创作受到国际化的影响也是难以避免的。但是，在任何时代，本土文化都是在国际交流中发展的，民族性与本土文化在世界交流中不断生成新的内容，带有本时代的新特点，本土文化和艺术并不在历史中凝固，而总是在当下的时代中演变延续，形成人类文明和艺术生生不息的脉络

　　艺术门类论艺术的分类【结合赵坚p249-p252】对“艺”字的理解。 中文，艺术的“艺”，从字形上可以看到造字的依据，农业社会中，种植是极其重要的技能。在当时，“艺”代表“技”。由此我们可以看到“艺”最早一定跟中国农业社会?的生产有关。而在英文中艺是“art”，最早也是技能的意思，如锻造等，后逐渐从体力劳动中升华为艺术。所以不管在东方还是西?社会，无论是“艺”还是“art”都是表技术的意思，表示艺术一定要有一定的技术性因素。

　　艺术的分类依据第一种，以艺术形象的存在方式为依据，分为时间艺术（音乐、文学）、空间艺术（雕塑、绘画）和时空艺术（戏剧、影视）第二种，以艺术客体的感知方式为依据，分为视觉艺术（绘画、雕塑）、听觉艺术（音乐等）、视听艺术（戏剧、影视）第三种，以艺术作品对客体世界的反映为依据，分为再现艺术（绘画、雕塑、小说）、表现艺术（音乐、舞蹈、建筑）和再现表现艺术（戏剧、影视等） 第四种，以艺术作品的物化形态为依据，分为静态艺术（绘画、雕塑、书法、建筑）、动态艺术（舞蹈、音乐、戏剧、电影） 第五种，以艺术的美学原则为依据，分为实用艺术、造型艺术（绘画、雕塑、摄影、书法）、表情艺术（音乐、舞蹈）、综合艺术（戏剧、戏曲、电影、电视）、语言艺术（诗歌、散文、小说）第六种，以人是否在场为依据。将艺术分为视觉艺术，绘画、雕塑、摄影、以及现代设计；表演艺术，包括音乐舞蹈喜剧等。

　　实用艺术是实用性和审美性相结合的表现性空间艺术，有建筑、园林、工艺美术与现代设计三大特点实用性和审美性相结合。实用性是审美性的基础，审美性增强了实用性【包豪斯学派的建筑中可以看出】；包豪斯校舍是1919年德国建筑学家格罗比乌斯创建的一所建筑及工业设计学校，在这所学校的发展中，逐渐建立了主张将建筑、工艺和美术按照现代美学原则结合的理论，主张现代建筑理论即包豪斯派。首先，包豪斯派主张现代建筑的基本美学思想，形式服从功能，重视建筑的使用价值并将其作为设计的出发点建筑应注重实用功能。建筑师应按照建筑各个区域的实用性来确定建筑元素的位置及其关系。其次，运用新型材料。。最后，包豪斯学派在建筑艺术上注重简洁美。建筑多由几何构成的大白墙，简洁平坦的屋顶以及大面积的玻璃构成，在简洁中突出建筑的庄重典雅。二战前后，包豪斯学派的建筑师流亡美国，给美国的建筑带来深远的影响。其注重实用性和审美性结合的建筑理念对后世影响深远

　　注重表现性和形式美。实用艺术并不注重模仿客观事物的再现美，而是注重表现某种朦胧抽象的情调和意味，正是因为这种表现性，克莱夫贝尔的有意味的形式。实用艺术更加偏重形式美，比如体现在帕特农神庙的黄金分割率 黄?分割（名词解释）是由古希腊数学家毕达哥拉斯提出来的，指将物体一分为二，较大部分与整体的比值等于较小部分与较大部分的比值，比值为0.618.这一比例被公认最能引起美感，因此成为黄金分割率黄金分割率具有严格的比例性、艺术性、和谐性，具有深厚丰富的美学价值，被认为是建筑等一系列艺术最完美的比例，这一美学原理运用于古希腊的帕特农神庙，雕塑断臂维纳斯和日神阿波罗，文艺复兴时期达芬奇的《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》，以及法国的巴黎圣母院等建筑，对西方艺术的发展产生了深远的影响。

　　具有民族性和时代性【通用答法】。东方园林、中国瓷器、故宫无不体现了我们的民族特征和传统文化。而时代性体现在每一种实用建筑都与当时的社会政治生活密切相关，哥特式建筑&中世纪；古埃及金字塔&奴隶社会。

　　建筑艺术定义：所谓建筑艺术，是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。特征：（1）审美性和实?性结合 ，代表：德国包豪斯校舍；（2）空间的延续性和环境的特定性相结合：任何?件建筑艺术作品都应当针对特定的空间环境与时代背景以及当地的民族文化进行创作，如“让建筑消失”的竹屋；（3）正?抽象性和象征性的结合：建筑本来没有意义，不带任何情感，但是因为建筑自身独特的语言——形体、组合、色彩，决定了它给人们带来的一种意境，气氛，使得人们会抽象出某种意义，使建筑有了某种象征。长城

　　具体建筑风格（西方）（1）古希腊建筑具体建筑物遗址：神庙、剧场、竞技场，神庙最能代表古希腊时期的建筑风貌。古希腊建筑（神庙）总风格是庄重典雅、具有和谐、壮丽、崇高的美。具体特征（5点）1、形成了基本符合?金分割率的平面构成样式。 2、形成环柱式的建筑结构，多?克式、爱奥尼克式、 科林斯式三种柱式的确立，柱式发展对古希腊建筑的结构起了决定性的作?，对古罗马和欧洲建筑的发展产生深远的影响。3、建筑的双?批坡屋顶形成了建筑前后的山花墙装饰的特点手法、创造出了独特的圆雕、高浮雕、浅浮雕等装饰艺术。 4、崇尚人体之美和数的和谐。 严格按照人体各部分的式样制定比例，以人体之美作为其在比例、规范、柱式外形的基本依据。5、建筑与装饰的雕刻化 。

　　古罗马建筑类型：宗教建筑：罗?庙、罗?万神庙、巴尔贝克太阳神庙；公共建筑：皇宫、??场、浴场等；居住建筑：内庭式住宅 特点：（1）以古希腊建筑为基础，沿袭亚平宁半岛的伊特鲁里亚?的建筑风格。在公元三世纪左右达到了?方古代建筑的?峰 。（2）世俗建筑形制已经相当成熟，并且与结合得很好，例如古罗马斗兽场。（3）建筑物的风格厚重、形式多样、 在原有建筑形式的基础上开拓了新的建筑艺术领域、丰富了建筑的表现手法。

　　欧洲中世纪建筑文艺复兴建筑起源于意?利佛罗伦萨，随着文艺复兴运动?而产?生，在15世纪?19世纪流?于欧洲。 理论依据:以文艺复兴思潮作为其理论依据，批判中世纪的神权至上，并提倡人道主义，在造型上排斥象征神权的哥特式建筑风格，提倡复兴古罗马时期的建筑形式。 特点：讲究秩序和比例；严谨的平?、立?构图、以及从古典建筑中继承下的立面构图。 代表：美第奇府邸、维琴察园厅别墅、枫丹?露宫

　　新古典主义建筑现代主义建筑现代主义建筑是20世纪中叶在西方建筑界处于主导地位的一种建筑思想。产生于19世纪后期，20世纪中期风行世界。特点，突破传统，大胆创造适应当时工业化社会的条件和要求的崭新建筑，具有鲜明的理性主义和激进主义，又被称为现代派建筑。 代表：包豪斯校舍 ——从建筑物的实用功能出发，按照建筑物各个区域的实用性和来确定其结构和位置关系。运用钢筋混泥土、玻璃等在当时不常使用的建筑材料突出物质本身的美感，实现实用性和审美性的有机结合。建筑简洁平坦、多几何构成般的大片白墙，与抽象主义艺术相似。《文艺理论核 ?心精华 》p56:包豪斯

　　后现代建筑

　　造型艺术是指运用一定的物质材料，通过塑造静态的物质形象来反映社会生活和表达艺术家思想情感的艺术，是一种再现性空间艺术，也是一种静态的视觉艺术。具体有绘画、摄影和雕塑、书法。三大特点造型性和直观性。造型性是指塑造客观事物的形象，直观性即所塑造的艺术形象都可以直接诉诸于人们的双眼。古典主义、文艺复兴的艺术都有瞬间性和永固性。瞬间性是指造型艺术反映的客观事实，是事物在发展过程中最具有典型意义的一瞬间的形象【《拉奥孔群像》、《掷铁饼的人》、布列松的“决定性瞬间”】。永固性，一旦创造下来，便得到永恒保存。再现性与表现性。造型艺术同样离不开表现性，具体是指作品要表现出对象内在的精神气质，以形写神，《太白行吟图》；传达作家的思想情感“应目会心”；自觉运用形式美的法则去进行艺术创作。【赵坚p252】【彭146-147】

　　绘画艺术定义：是一门运用线条、色彩和形体等绘画造型语言，通过构图、造型和色彩运用等艺术手段，在平面二维空间里塑造出静态的视觉形象，表现审美情感的艺术门类。种类中国画：【已复习】特点【以下的绘画种类都可以用这四点答】第一，中国画的特点，首先表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、 墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。“笔墨”是中国绘画技巧中重要的术语。“笔”是指“勾勒皴点”，墨主要为“墨分五彩”即墨色的“焦浓淡重轻”第二，中国画的另一个重要特点，是在构图方法上不受焦点透视的束缚， 多采用散点透视法（即可移动的远近法），使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间主要有三类：“全景式空间”“分段式空间”“分层式空间”第三，中国画还有一个重要特点，就是绘画与诗文、书法、篆刻有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。现存的许多传统国画都有题画诗或款书，将画意、诗情、书法融为一体。第四，从根本上讲，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。中国画的传统画法有工笔画，也有写意画。在处理形神关系时都要求“神形兼备”，在造型和意境的表达上都要求“气韵生动”。中国画总体上的美学追求，不在于将物象画得逼真、肖似，而是通过笔墨情趣抒发胸臆、寄托情思，表达个性。注重