全网最全的西方音乐史总结（含名词解释、年代表）

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　　西方音乐史总结

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　　第一章 古希腊罗马音乐

　　（公元前12世纪之前------公元前476年）

　　第一节 古希腊罗马的音乐概况

　　大约从公元前4000年到公元前1000年间，地球上先后出现了人类最初的文明；两河流域的苏美尔文明、尼罗河流域的埃及文明、黄河流域的中国文明和恒河流域的印度文明。除此之外，在这个时期的地中海一带，也出现了欧洲的第一个高度文明，就是古希腊文明。

　　音乐在古希腊文化中占据着重要地位。古希腊音乐是诗、乐、舞三位一体的音乐艺术，其中诗的地位在乐之上。当时的音乐是单声部音乐；节奏一般由诗词音节的自然时值来决定，音乐有长短之分，一个长音节时值大约相当于两个短音节，若干音节组合成格律的基本单位音步。

　　古希腊音乐表演最重要的地点是剧场。在希腊戏剧中，合唱队起着相当大的作用，合唱队通过语言、音乐和舞蹈等方式激起观众的情绪。

　　第二节  古希腊的音乐

　　一、 抒情诗歌

　　古希腊诗歌和音乐是紧密联系在一起的。诗歌的吟诵总伴随着音乐，音乐是为诗歌服务的。

　　盲诗人荷马汇集整理了小亚细亚民间行吟歌手四处传唱的有关神话英雄的叙事诗篇，写下了不朽之作《伊利亚特》和《奥德赛》，这是古代希腊最早被记录下来的大型史诗，也被叫作荷马史诗。

　　最早的抒情诗作者有：特尔潘德、提尔泰俄斯、阿西乌时斯、萨福。

　　【荷马史诗】《荷马史诗》相传是由古希腊盲诗人荷马创作的两部长篇史诗—《伊利亚德》和《奥德赛》的统称，是他根据民间流传的短歌综合编写而成。《荷马史诗》以公元前12世纪—前8世纪的希腊社会状况，采用扬抑抑格六音步诗写作，节奏感强烈，由行吟诗人边弹里尔琴边诵唱，进行口头传播。

　　【抒情诗】抒情诗是诗歌与音乐相结合的独唱歌曲,形成于公元前8世纪,由抒情诗人自创自唱,诗人即音乐家。一般分为笛歌和琴歌两种,笛歌是用阿夫洛斯管伴奏演唱的诗歌,琴歌是用里尔琴伴奏演唱的诗歌。代表诗人有阿基罗库斯、泰尔潘德阿尔凯奥斯和女诗人萨福等。

　　二、 古希腊悲剧艺术

　　【颂歌】颂歌是为重大仪式写作的诗歌,以华美的合唱形式演唱,格律较为自由,唱时伴有舞蹈和乐器演奏。分为太阳神颂歌和酒神颂歌两种,前者用于赞美太阳神,用基萨拉琴伴奏,后者是在酒神节上演唱的狂野的歌舞,用阿夫洛斯管伴奏,是悲剧的前身。创作合唱颂歌的诗达罗斯。

　　【悲剧】悲剧是古希腊时期戏剧、诗歌、音乐和舞蹈合而为一的综合艺术形式,由酒神颂歌发展而来。古希腊悲剧的含意不在于“悲”,而在于“严肃”,情节严肃,常取材于神话传说和荷马史诗。悲剧的演出,最初由一个演员叙述故事,后发展到三个演员同时登台,用吟诵的“宣叙调”解释剧情,演员面戴假面具,脚穿高底靴,演出中有歌队演唱,用阿夫洛斯管伴奏,在可容纳数万人的半圆形露天剧场演出。埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯是著名的三大悲剧作家,经典悲剧剧作有埃斯库罗斯的《被缚的普罗米修斯》和索福克勒斯的《俄狄浦王》。

　　古希腊最常见的乐器有：

　　【里拉】里拉是一种较古老的抱弹弦乐器，常用于敬奉太阳神阿波罗的仪式上，也被用来为颂歌或史诗伴奏，琴身音响用龟壳或果壳蒙上牛皮制成，两边竖起框架干。琴弦用动物的肠或腱制成，最初有四根，后增加至七根。里拉一直被视为古老正统的乐器，它的形状一直被当做音乐的象征和标志。

　　【基萨拉】基萨拉是里拉的加强版，不同的是其尺寸和音量都比里拉大，演奏技巧较复杂，且做工讲究、装饰精致，一般为专业演奏者使用。

　　【阿夫洛斯管】是簧管乐器，声音比较坚硬，具有穿透力，常用于敬奉酒神狄俄尼索斯，代表着狂野豪放的力量。其构造是将簧片插入木质、骨质或金属管中吹口，管底不封口，管身侧有指孔，两根管排成V型。

　　【西林克斯】是排箫类乐器，以七根管子为标准样式，一般被看作是乡间牧人的乐器。

　　第一节  罗马国的音乐及音乐活动

　　  一、 罗马音乐活动

　　【笑剧】是一种综合性的滑稽表演，可模仿日常生活场面,也可模仿希腊悲剧中的情节,中间插入歌曲和舞蹈,它的娱乐性很强,但品位不高,甚至近乎猥亵。

　　【哑剧】是一种表现神话故事的戏剧舞蹈、盛大的哑剧表演有时多达三千歌手,三千舞蹈者参加。

　　【军乐】。军乐同罗马军团的庞大方阵相适应,音乐规模非常宏大。大型的合唱和管弦乐队的人数成百上千。为了适应这种大型化的要求,人们从各民族的乐器中选出铜管乐器和打击乐器用于军乐演奏,使用最多的是大号和水压风琴。

　　二、 早期的基督教音乐

　　《米兰敕令》发布以后,罗马本土形成罗马和米兰两个基督教音乐的发展中心。据说罗马教皇西尔维斯特紧随《米兰赦令》之后，在罗马创办了一所教会歌唱学校,专门训练在礼拜仪式上演唱圣咏的歌手。4世纪下半叶,  教皇达玛苏斯听从《圣经》学者圣哲罗姆的意见,起用东方基督教会的仪式音乐专家做顾问,以耶路撒冷的基督教会为榜样,全面组建罗马的仪式制度和圣咏曲目。到了5世纪上半叶,教皇利奥一世确定了一年中每个宗教节日仪式、祷文、经文和圣咏,编成一本《利奥圣礼书》这是已知最早的罗马圣礼书之一。

　　第二章 中世纪音乐（公元476年---1460年）

　　 第一节 中世纪音乐概况

　　“中世纪”时间的上、下限是一个学术争论的问题。通常公认的时间上下限是公元476年(西罗马帝国灭亡)至1453年(君土坦丁堡失陷于土耳其人)。  

　　中世纪,宗教支配着社会意识,宗教音乐占有统治地位,如格里高利圣咏是天主教仪式中重要的圣歌。但世俗音乐仍然不断地渗透到宗教音乐之中。  

　　音乐开始获得复杂的节奏,单音音乐逐渐走向复音音乐,产生了最初的对位法,出现了奥尔加农、狄斯康特、克劳苏拉、孔杜克图斯、经文歌等形式；调式理论的总结,在11世纪有多里亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚及其变体等八种调式,到了16世纪出现了伊奥利亚、爱奥尼亚及其变体;记谱法的出现标志着音乐理论的新发展,9世纪出现了组姆谱,10-12世纪乐谱大多采用一至四线谱,在记谱法方面规多·达莱佐贡献很大;13世纪德国的弗兰科著有《有量歌曲艺术》,开始用音符正确记录音的长度,最后发展成“有量记谱法”;15世纪出现了接近现代的五线谱。乐器种类的增加预示着器乐曲的诞生。在教会以外,世俗音乐获得很大发展,它与教会音乐有明显的区别。在法国出现了“游吟诗人”、在德国出现“恋歌诗人”、“名歌手”,欧洲各地的流浪艺人的音乐活动也十分活跃。  

　　第二节 格里高利圣咏的形成与横向发展（第一阶段）格里哥利圣咏是天主教音乐,它是在公元6世纪由教皇格里哥利一世命名。从公元4世纪开始,天主教成为罗马的国教,广为流传,各地教会竭力推行隆重的祈祷仪式,但各地仪式中的音乐却各不相同,大致可以分为5个派别:①拜占廷圣咏;②安布罗斯圣咏:③法国圣咏;④摩沙拉比圣咏;⑤格里哥利圣咏。虽然在教会初期已有许多教会致力于圣乐的统一工作,力图使之集合于一种礼仪内,但是直到教皇格里哥利一世，他锐意改革天主教会的仪式音乐,在公元599年下令收集东西方教会的一切圣咏,经他拟定,编成一本《对唱歌集》,以供宗教仪式之用,其中包含有600多首圣咏。由他颁定的圣咏,被称为格里哥利圣咏(亦译素歌或平歌)。格里哥利圣咏的基本功能是服从宗教礼拜活动,音乐肃穆、节制,最大限度地排除世俗的感性欲念。它是无伴奏的纯男声歌唱的单声部音乐形式,以拉丁文为歌词,即兴式而无明显节拍特征,建立在单纯的自然音阶基础之上。其旋律音调平缓,以级进和三度进行为主,偶有四、五度跳进,整个音乐音域较窄。它的歌唱方式有4种:独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱,各种歌唱方式根据礼拜进行的不同场合决定。格里哥利圣咏主要运用于日课,（这是修道院僧人每天必做“功课”)和弥撒（天主教、基督教为纪念耶稣受难而举行的仪式)之中。到公元1世纪时,除了米兰和西班牙外,欧洲其他地区都接纳它为仪礼中的圣歌。

　　【格里高利圣咏】罗马教会圣咏,俗称“格里高利圣咏”或“格里高利素歌”,是中世纪天主教会音乐最重要的体裁,它是无固定节拍、无伴奏的单声部歌曲,歌词来自于《圣经》,由教堂唱诗班以拉丁文演唱,在日课和弥撒仪式中应用。附加段、继叙咏和教仪剧,是圣咏的衍生物,在9世纪以后得到发展。

　　【附加段】附加段是中世纪时在原有格里哥利圣咏的基础上进行附加或插入的新材料,形成圣咏的扩展。附加段常用于日课中的交替圣歌、应答圣歌等部分,以及常规弥撒的某些部分。

　　【继叙永】继叙咏是9世纪时在弥撒中的“哈利路亚”后,在其花唱旋律上附加歌词,最后脱离哈里路亚而成为一个独立的形式。

　　第三节 格里高利圣咏的纵向发展（第二阶段）

　　奥尔加农是9世纪至14世纪的复调音乐形式,根据其历史发展,可分3种类型:1.平行奥尔加农。它是在格里哥利圣咏的上方或下方附加一个平行声部,构成四度、五度、八度音程的平行进行。2.稍加变化的平行奥尔加农。它的两个声部从同度开始,其中一声部上行进行,到两声部构成四度时,再平行进行,最后两声部再回到同度。3.华丽的奥尔加农。大约在12世纪,奥尔加农的上声部越来越表现出流动性和装饰性,形成花唱式的华丽奥尔加农,它没有明显的节拍特征,活跃、华丽的上声部与下方缓慢、静止的圣咏声部形成鲜明对比。

　　【奥尔加农】中世纪最早的复调音乐形式和作曲手法,约见于公元10世纪的音乐记载中。在格里高利圣咏的上方写作平行四度或五度的声部形成复调形式,由最初的“平行奥尔加农”“反向和斜向的奥尔加农”,发展到带花唱的“华丽奥尔加农”及有节奏模式的“有量奥尔加农”。

　　狄斯康特是中世纪复调音乐形式。其在不同时期有不同的含义,主要有:1.常被拼成用以指12世纪多声部作品,即所谓奥尔加农。2.指由一位歌唱者用即兴方式演唱一个声部,同时一个不是即兴的声部由另一位歌唱者演唱。3多声部音乐创作中,运用音对音的织体形态,运用节奏模式,使乐曲整体上显示出分句的结构特征,这与奥尔加农即兴式的松散结构有很大区别(而此种含义常常为教科书所采用)。此外,也还有其他不同的概念含义。总之,狄斯康特是一个使人迷惑的名词。

　　【狄斯康特】迪斯康特是中世纪盛期奥尔加农发展到一定阶段形成的复调形式,通常指在已有旋律上作即兴对位的手法。13-14世纪时,迪斯康特尤指高声部以相似的有量节奏对位定旋律进行的复调风格,其低声部是带有节奏模式的旋律,高声部与定旋律声部形成一音对一音的风格,但它们旋律进行之间的关系主要是反向的。

　　【经文诗】形成于13世纪的多声部复调音乐体裁,在克劳苏拉的基础上形成。通常为三声部,低音固定调采用格里高利圣咏曲调,拉丁文演唱,上方第二和第三声部自由创作,用法语演唱宗教或世俗内容歌词。13世纪经文歌的代表作曲家有佩罗坦、弗朗科等,14世纪等节奏经文歌的大师为维特里和马肖。

　　【孔杜克图斯】孔杜克图斯是流行于12-13世纪的一种单声部或复调拉丁文歌曲体栽。复调孔杜克图斯常见为三声部,声部写作较为简单,和声主要由协和音程八度、五度和四度构成,所有声部几乎是以同样的节奏进行。孔杜克图斯与同时期其他复调音乐最大的区别在于:其定旋律声部往往不采用教堂圣咏旋律,而是新创作的。孔杜克图斯在巴黎圣母院乐派作曲家的创作中占有重要的地位,至13世纪末叶,孔杜克图斯逐渐被经文歌所取代。

　　【巴黎圣母院乐派】巴黎圣母院是12-13世纪欧洲教堂音乐中心，发展复调音乐的重要基地，聚集了大批出色的作曲家，是这一时期的欧洲复调音乐臻于登峰造极的境地。莱奥南和佩罗坦是巴黎圣母院乐派仅有的留下名字的两位巨匠，前者被称为“最伟大的奥尔加农作曲家”，后者则有“最杰出的狄斯康特作曲家”。

　　第四节 中世纪音乐理论和世俗音乐

　　【游吟诗人】中世纪的贵族阶层诗人音乐家,发源于法国普罗旺斯地区,南部游吟诗人称为“特罗巴杜尔”,北部游吟诗人称为“特伦威尔”。他们写作单声部世俗诗歌,内容常是爱情、时事评判和英雄史诗,运用田园恋歌、破晓歌、挽歌、维勒菜、回旋歌、叙事歌等体裁写作。德国的游吟诗人称为“恋诗歌手”。

　　【恋歌诗人】恋歌诗人（也有译为恋歌歌手)是大约12-14世纪产生于德国的、受法国游吟诗人影响而四处游吟奏乐的贵族骑士。因为他们大多演唱爱情歌曲，而被称为恋歌诗人,与游吟诗人一样,他们常亲自演唱自己创作的歌曲,乐曲多采用爱奥尼亚调,两拍子或四拍子的节奏较多。

　　【流浪艺人】流浪艺人是浪迹四方的音乐和杂技表演者。他们地位低下,无定居、无法律约束,常聚在一起,走遍欧洲。后来才稍有组织。他们的音乐多属于即兴性质,但也因此而能更纯真地表现出与生俱来的音乐。德国的“高克勒”、法国的“戎格勒”,英国的“吉格勒”和“格里曼”都是这种流浪艺人。

　　第五节 14世纪新艺术时期的音乐（第三阶段）

　　【新艺术】“新艺术”最初是法国作曲家和诗人维特里于1320年所写论文的标题,论文记录了当时欧洲音乐发展的最新成果:相对于“古艺术”时期的有量音乐三分法,音值二分法已被接受并实践,引人二分音符,确定三、六度音程的协和性,强调半音的表情意义,“等节奏经文歌”的运用等。当时的理论家用“新艺术”这一术语来称呼14世纪在法国处于巅峰的新音乐,与13世纪的“古艺术”相对,现用来指代整个14世纪的欧洲音乐艺术。法国的马肖和意大利的兰迪尼是欧洲新艺术时期的代表作曲家。

　　第三章文艺复兴时期的音乐

　　（公元1430年前后---1600年前后）

　　第一节 文艺复兴时期的音乐概况

　　按照西方音乐史的习惯,文艺复兴时期专指从140年前后至1600年前后这一历史时期。文艺复兴思潮对欧洲的音乐文化的发展起到了巨大的推动作用。这一时期的音乐冲破了中世纪音乐理论的约束,获得了多方面的“解放”。世俗音乐发展很快,16世纪,已经是世俗音乐和宗教音乐平衡发展的年代。世俗音乐在法、德、英、意等国都很兴盛,影响较大的是法国歌谣曲、意大利牧歌等。这一时期,音乐的表现力大大提高,词曲之间新的结合关系出现:器乐的独立性大大加强;复调音乐逐渐趋向高峰,并且促成了和声风格的形成:摆脱了旧的调式体系,逐渐融合成现在的大小调体系。勃艮第乐派、法国一佛莱芒乐派(即尼德兰乐派)、罗马乐派、威尼斯乐派都是重要的音乐流派。

　　第二节 文艺复兴早期到法国-弗兰德乐派

　　勃艮第乐派是文艺复兴时期在法国北部、比利时和荷兰地区的勃艮第公国的乐派。勃艮第王朝在11世纪已存在,大约在1400年扩展到法国北部、比利时的一部分和荷兰。勃艮第乐派的作曲家吸收了英国、意大利音乐的因素,与法国复调音乐传统结合起来,创造出一种自然、柔和、明亮的音乐。从音乐形态上看,勃艮第乐派有以下音乐特征:①三声部的复调乐曲较常见:②旋律和节奏的发展集中在高声部:③旋律的进行常以三度音程来进行;④假低音的技巧(即三度和六度平行进行)常被采用;⑤乐曲的各声部常用和弦法处理,而不常用对位化处理:⑥兰第尼终止更为普遍地采用;⑦少有固定调作持续调。

　　勃艮第乐派以其优美、细腻、华丽、偏重于世俗音乐的创作,对法国一佛莱芒乐派产生了极大的影响。

　　【勃艮第乐派】15世纪上半叶,第戎的勃艮第宫廷是文艺复兴时期欧洲的音乐文化中心,通常认为,文艺复兴音乐发源于此。勃艮第的辖境相当于今天的法国东北部、比利时、荷兰和卢森堡等地,聚集了大批优秀的作曲家和歌手,创作和演唱法语世俗复调歌曲。勃艮第乐派作曲家中最重要的人物是C.迪费和G.班舒瓦。

　　【弗兰德乐派】15世纪中叶文艺复兴时期欧洲最重要的音乐流派。相当于现在部分荷兰、比利时和法国北部地区的佛兰德地区,培养了大批杰出的音乐家,在教堂唱诗班或王公贵族的宫廷中服务,影响遍及全欧。佛兰德乐派作曲家的主要创作,在宗教领域集中于弥撒曲和经文歌,在世俗领域集中于意大利的牧歌、法国的尚松和德国的利德,他们运用高度发展的模仿复调技术、无伴奏合唱织体以及用音乐描绘特定歌词形象的“绘词法”,成就了文艺复兴音乐的高峰。佛兰德作曲家的代表为奥克冈、若斯坎,德·普雷、奥布雷赫特、伊萨克和拉索,其中,拉索是文艺复兴音乐的集大成者。

　　【若斯坎·德·普雷】文艺复兴时期佛兰德乐派作曲家。创作数量较多,主要有弥撒曲、经文歌和尚松。他的弥撒曲创作反映了当时弥撒曲的各种作曲技法,既有基于素歌旋律或世俗曲调的“定旋律弥撒”,如《武装的人弥撒曲》,也有大段借用已有旋律的“模拟弥撒”,如《圣母弥撒曲》,这种弥撒曲成为16世纪的弥撒曲主要类型。若斯坎注重用音乐细致地表现出歌词意境,站在时代的前列。

　　【拉索】文艺复兴时期佛兰德乐派最后一位作曲家代表,文艺复兴音乐的集大成者。创作极为多产,留存超过2000部音乐作品,包括弥撒曲、经文歌牧歌、尚松、利德、圣母颂歌、诗篇歌、赞美诗等。他的弥撒曲多为大段借用宗教或世俗旋律的“模拟弥撒”,包含了经文歌牧歌和尚松的音乐特征;经文歌显示了他多样化的表现手法,《西比尔的预言》甚至使用了半音化风格;他的牧歌、尚松和利德选材广泛、风格迥异，极富表现力。音乐技法上,拉索将复调织体与主调手法相结合,其和声思维远远走在时代前列。

　　第三节 16世纪宗教改革和反宗教改革的音乐

　　罗马乐派是16世纪以罗马的圣彼得教堂和教廷礼拜堂为中心的乐派。在那里聚集一批作曲家、歌唱家,从事复调声乐的创作,使复调声乐技巧达到一个很高的水平,这些作曲家被称作“罗马乐派”。其最早的代表作曲家是高斯登索·菲斯大；最具代表性的作曲家是乔凡尼·皮埃路伊基,但常因他的出生地而被人称为帕勒斯特里那。帕勒斯特里那把法国一佛莱芒乐派的复调技巧发展到顶峰,并结束了这个时代。

　　【罗马乐派】16世纪下半叶在意大利罗马形成的音乐流派,创作观念上提倡写作声部清晰、音响纯净的传统天主教音乐,反对宗教改革的新教音乐成就,发展了“无伴奏合唱”的多声部合唱音乐风格。代表人物主要是意大利的帕莱斯特里纳和西班牙的维托里亚,他们的创作集中于弥撒曲和经文歌等体裁,风格庄重、声部均衡,帕莱斯特里纳的《马切鲁斯教皇弥撒曲》为著名代表作。第四章 巴洛克时期的音乐（上）（1600年到1750年）

　　第一节 巴洛克音乐概况

　　巴洛克这一名词在音乐史上是用来代表16世纪末至18世纪中叶这段时期的音乐。它更多的是指建筑、美术等艺术风格,巴洛克音乐上便是指深受这种风格影响的音乐。巴洛克音乐有一种宏伟、壮观、热情如火、充满活力的音乐,它强调情感的表现和充满戏剧性的对比,在细节上又非常重视装饰性。巴洛克时期的音乐可分为早期、中期和晚期三个阶段:早期(1600-1640)是巴洛克风格形成期；中期(1640-1690)是巴洛克风格定型期；晚期(1690-1750)为巴洛克盛行期。此时巴赫与亨德尔将百年来的音乐推向辉煌的顶点。巴洛克音乐风格有其显著的特点：（1）在对位法上,复调音乐达到全盛,并向主调风格上有了较大的转移。（2）在和声上,数字低音的使用,导致了和声学的诞生,正格终止取代了调性终止式,半音和声使用得更为广泛,转调更自由,不协和音的引入、处理也较大胆。 (3）在调性上,大小调取代了中古调式。（4）音乐术语上,出现了指示乐曲速度或表情的术语。（5）即兴演奏比任何一个时代都更有特点,在装饰曲调、变化主题、终止式以及对位的处理上,都更自由、深刻。 (6）在音乐体裁方面,出现了歌剧、清唱剧、康塔塔、受难曲、协奏曲、大协奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格曲等等新的音乐体裁。巴洛克时期的著名音乐家很多,如意大利的D·斯卡拉蒂、科莱里、维瓦尔蒂：德国的库瑙、泰勒曼；法国的商蓬涅尔、库泊兰；而代表巴洛克时期最高成就的当数J.S.巴赫和亨德尔。

　　第二节 歌剧的产生及早期的发展

　　一、早期的意大利歌剧

　　【罗马的歌剧】产生于17世纪初的30年内,巴尔第和卡瓦列里是这种歌剧的建树者,后者著有《灵与肉的体现》,其旋律纯朴,有布景和乐队伴奏。罗马歌剧着重于宗教题材,而非希腊神话,音乐上常常有诙谐、滑稽的喜剧插段,被视为后来喜歌剧的前身,这些都是有别于其他地区歌剧的特征。 

　　【威尼斯歌剧】在17世纪中叶以前很快便在意大利获得歌剧的主导地位,直至17世纪末期。1637年,在威尼斯出现了第一座歌剧院--圣卡西亚诺，加速了威尼斯歌剧的发展。威尼斯歌剧与其他地区的歌剧相比,有许多特殊的地方:特别重视抒情调形式,开始采用美声唱法,合唱与管弦乐使用较少,戏剧情节复杂且多无根据,用简短的器乐曲作导奏,形成了序曲的前驱。威尼斯歌剧的重要代表人物有蒙特威尔第,他写过许多歌谣曲、牧歌和经文歌,他的第一部歌剧《奥菲欧》于1607年上演。

　　【拿波里（也译为那不勒斯）歌剧】代表作曲家是亚历山大·斯卡拉蒂(1660-1725),他反对威尼斯歌剧的浮华的东西,集中发展了音乐在歌剧中的抒情作用,音乐的目的只在于把剧中人的最强烈的感情通过音乐的概括表达出来,而不在于描写他们的动作、情节和戏剧冲突。因此,音乐只反映歌词中的抒情的顶点,而不反映其感情发展的全部过程,通过音乐的概括,音乐本身就可以表达爱情、嫉妒、仇恨、悠闲等感情。

　　二、早期的法国歌曲

　　法国歌剧的最早代表作曲家是吕利,他的歌剧题材一般选自历史、神话,内容多表现忠君爱国的天职与个人情感的冲突矛盾。其歌剧序曲为慢一快一慢三部分。他受法国古典悲剧朗诵音调的启发,将意大利歌剧宣叙调进行调整,使它适合于法国的语言和诗歌的音韵,他创作的宣叙调带有歌唱性,而咏叹调则带有朗诵性,他重视合唱及管弦乐队的作用,并在歌剧中插入表现幻境的芭蕾舞场面。他的代表作有《阿尔且斯特》、《爱神与酒神的欢宴》等。在吕利以后的一段时间内,法国歌剧有所衰落,直至拉摩出现,法国歌剧才真正向前迈进了一大步。拉摩起初只是位管风琴家、理论家和宗教音乐作曲家。他于1722年发表《和声学教程》,建立起和声学的理论基础。他50岁才开始写歌剧,但一举成名。他常不遵守法国歌剧传统的作风在他的歌剧中以和声处理的清晰、完整见长。他常常打破传统的法则,使用减七和弦、二度音程,使用远关系转调。他重视歌剧中的合唱,乐曲虽然仍以对位法为原则,但他特点注重音响的和声化处理,管弦乐也比吕利更为出色,舞蹈音乐常常占有重要地位。拉摩共创作20多部歌剧,如《卡斯托与波鲁》、《亥贝的节宴》、《平凡的人》等,他是吕利之后法国最伟大的作曲家之一。 

　　三、早期的英国歌剧

　　在16世纪英国流行一种“假面剧”,它是一种宫廷内娱乐性的话剧,题材多属神秘性和寓言性。“假面剧”有歌唱、诵诗、舞蹈、合唱和器乐曲,也有朗诵调,演出时带假面具。而真正成为歌剧、且以英文写作的歌剧的第一部为布鲁所作的《威留斯和阿多尼斯》但是,这部歌剧显然是深受法国和意大利歌剧的影响。  

　　真正把英国的歌剧写成民族歌剧的当数普塞尔,他最初致为于宗教音乐的创作,后来投身歌剧的创作。他的歌剧在声乐方面与意大利歌剧有许多共同的特点,在器乐方面和法国歌剧有相通之处,但是普塞尔的创作又与英国的民歌紧密相连。他的代表作是《狄东与伊尼》其音乐朴实而深刻,不求炫人耳目,而是鲜明地描绘剧中的环境,细致地表达剧中人的心理与感情,普塞尔之后,英国乐坛经历了近200年的沉寂,直到20世纪才重新崛起。

　　第三节 其他大型声乐体裁

　　【宣叙调】大型声乐戏剧中的一种歌唱方式,音调和节奏都与语言紧密结合,又称“朗诵调”,16世纪末起源于佛罗伦萨作曲家佩里的歌剧,17世纪以后广泛用于歌剧、清唱剧、康塔塔和其他教堂声乐中。18世纪后,宣叙调分为“清宣叙调”和“有伴奏宣叙调”两种,前者节奏自由快速,以键盘乐器简单伴奏,后者富于表情,用管弦乐队伴奏。

　　【咏叹调】歌唱性很强、有完整结构的声乐曲,为一个或几个声部写作。17世纪以后,咏叹调专指独唱曲,广泛用于歌剧、清唱剧和康塔塔等体裁中,相对朗诵性质的宣叙调,咏叹调受到极大的欢迎,以至于18世纪初,咏叹调在声乐戏剧中占据主导地位,除了结构逐渐程式化、产生“返始咏叹调”外,成为充分发挥演唱者声乐技巧的段落。

　　【正歌剧】是内容严肃的歌剧,分为三幕,它起源于17世纪末的意大利,盛行于18世纪欧洲各国,其题材多取自古代神话和历史传说,音乐以意大利式的序曲开场,由表现复亲情节的宣叙调和富有激情的返始咏叹调交替,极少使用重唱,无合唱和芭蕾舞场面。

　　清唱剧是17世纪产生的一种大型声乐体裁,它最初是一种宗教题材的音乐剧固此也有人称它“神剧”,后来也多有世俗题材,故不能称为“神剧”了,在音乐形式上,它与歌剧相似:包含宣叙调、咏叹调、重唱、合唱,也是主调音乐的范畴。所不同的是仅仅让人们通过听觉而不是用视觉来感受戏剧事件的过程。可以说它是只唱不演的戏剧,清唱剧实际上分为两种:一是使用拉丁文的清唱剧,以《圣经》为题材,属于宗教音乐,成为“拉丁清唱剧”:二是使用意大利文的清唱剧,其取材自由,不局限于《圣经》题材,称为通俗清唱剧,到了17世纪后半叶,前者消失了使拉丁清唱剧产生很大影响的是卡里西米,他写了许多清唱剧,如《耶弗塔》、《所罗门的审判》等。清唱剧产生在意大利,后逐渐影响的国外,而且主要盛行的是通俗清唱剧。

　　【清唱剧】由宣叙调、咏叹调、重唱与合唱组成的宗教声乐套曲,16世纪末诞生在教堂的祈祷厅里,采用宗教题材,用拉丁语或意大利语演唱。罗马作曲家卡瓦里埃利于1600年写作的《灵魂与内体的表现》常被称作第一部清唱剧,卡里西米为现代清唱剧的形式确立做出重要贡献,亨德尔创作了大量优秀的清唱剧,代表作有《以色列人在埃及》《弥赛亚》和《犹大·马加比》。

　　【受难曲】根据《圣经》中四部福音书关于耶稣受难的记述而谱写的音乐体裁,形成于4世纪,巴洛克时期的受难曲呈现“清唱剧受难曲”的特点,在德国发展蓬勃,泰勒曼、马特松等人都创作过此类作品,最杰出的代表作是巴赫的《马太受难曲》。

　　【康塔塔】由宣叙调、咏叹调、重唱组成的歌曲套曲,诞生在17世纪初的意大利,最初是在室内演唱的世俗单声部歌曲,由几组宣叙调和咏叹调交替,独唱为主。康塔塔传人德国后,成为路德派教堂音乐的重要形式,大量运用众赞歌写作,泰勒曼和巴赫都创作了路德教堂康塔塔年集。

　　【抒情悲剧】17世纪法国作曲家吕利创作的歌剧类型,多根据悲剧大师高乃依及歌剧脚本作家泽诺的悲剧谱写而成,融合了独唱宣叙调和咏叹调、合唱以及芭蕾,代表作有《伊西斯》《阿西斯与加拉蒂亚》等。

　　【单声歌曲】单声歌曲是17世纪上半叶在意大利出现的一种带通奏低单伴奏的独唱世俗歌曲的总称。

　　第四节器乐音乐的发展

　　16世纪的奏鸣曲泛指一切乐曲,到了17世纪初,奏鸣曲分三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲两类。三重奏鸣曲一般是两个小提琴和一个通奏低音的器乐合奏；独奏奏鸣曲一般是以键盘乐器为主，也有以小提琴独奏,加上通奏低音的。

　　乐奏鸣曲以其使用场合,又分为教堂赛鸣曲和室内奏鸣曲两种。前者比较严肃,多用于宗教仪式，多为四个乐章,是古典奏鸣曲的前身；后者是舞曲风格,常常在宫廷和私人客厅中演奏,由四至六个乐章组成,是古典组曲的前身。

　　【前奏曲】一种序引性乐曲。15-16世纪时产生在管风琴、琉特琴或维吉那琴的创作领域,是即兴演奏的乐曲,用来试奏乐器活动手指和为正式进入的乐曲做准备。17世纪以后,前奏曲发展成为有完整形式的小型器乐曲,多由键盘乐器演奏,被置于赋格、组曲、奏鸣曲之前,作为序引。

　　【幻想曲】指自由发挥作曲家的想象力、较少遵循传统曲式的乐曲。起源于16世纪即兴演奏的传统,在17世纪上半叶时接近利切卡尔、坎佐纳和随想曲。18世纪以后,幻想曲在古钢琴和管风琴领域获得广泛运用,呈现复调和主调风格交替的特点,巴赫的《d小调半音阶幻想曲与赋格》是巴洛克时期幻想曲创作的范例。

　　【创意曲】充满想象力的原创性乐曲通常指巴洛克时期的一种复调钢琴小的,根据某一主题即兴发展而成,类似小赋格曲。16世纪法国作曲雅内就最早使用“创意曲”一词称呼他的法语世俗单声部尚松,1723年巴赫将为其长子写作的小型复调乐曲命名为“创意曲”,包含15首二声部和15首三声部的对位乐曲,是该体裁的典范作品。

　　巴洛克时期的协奏曲  协奏曲最早产生于17世纪末,是巴洛克时期最重要的器乐形式。早期的协奏曲分为三种类型:(1)乐队协奏曲或协奏交响曲或它是一种多乐章的乐队曲,其中全部乐器的合奏常常和某种发挥华丽技巧乐器相照应。(2大协奏曲:它是以小组乐器和大组乐器的对比竟奏。小组乐器包括三重奏鸣曲所使用的乐器(两只小提琴和通奏底音乐器),大组乐器主要是弦乐器,有时也有小号、双簧管,长笛、圆号等,这种体裁源于意大利作曲家斯特拉德拉的《多乐章交响曲》。而托雷利奠定了三个乐章的形式---两端是赋格式的快板,中间由两个相拟的慢板镶嵌一个简短的快板。维瓦尔蒂的大协奏曲采用更加精练的乐章形式---快板乐章之后是同调或近关系调上的慢板,然后是比第一乐章简短而更生动活泼的另一快板。(3)独奏协奏曲:它是一件独奏乐器同乐队协奏。其创始人为意大利作曲家阿尔比诺尼(1671-1750),早期的独奏乐器为小提琴,托雷利奠定了小提琴协奏曲“快一慢一快”的三乐章形式,而维瓦尔蒂的许多小提琴协奏曲中充分发挥了独奏乐器的作用,成为后来古典小提琴协奏曲的楷模。

　　【大协奏曲】巴洛克时期最主要的协奏曲形式,由小组乐器和大组乐器对比竞奏,小组由两件独奏乐器和两件通奏乐器构成,称为“主奏部”,大组包含当时所有的弦乐器和部分管乐器,称为“合奏部”。意大利作曲家科雷利是大协奏曲的创导者之一,作有12首大协奏曲。

　　【乐队协奏曲】巴洛克时期的协奏曲形式,由乐队演奏的协奏曲,没有独奏部分或任何附属的部分,托雷利1692年写作的6首乐队协奏曲开此体裁先河,1720年后逐渐与早期交响曲的发展合流。巴赫《勃兰登堡协奏曲》的第3首和第6首是出色的乐队协奏曲。

　　【独奏协奏曲】巴洛克晚期出现但沿用至今的协奏曲类型,由一件独奏乐器和管弦乐队相互竞奏,小提琴是当时最常见的独奏乐器。1698年托雷利写作了最早的独奏协奏曲,并开创快一慢一快三乐章的协奏曲套曲形式。巴洛克时期最多产的独奏协奏曲作曲家是意大利小提琴家维瓦尔第。

　　【三重奏鸣曲】巴洛克时期室内器乐音乐最主要的体截之一,由四件乐器构成三个声部，常用两把小提琴构成旋律的两个不同声部,两件通奏低音乐器演奏同一声部。科雷利对三重奏鸣曲形式的确立和发展起了决定作用。

　　【教堂奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。通常由一两件独奏乐器加上通奏低音组构成,小提琴是最常见的独奏乐器。因在教堂中演奏而得名,音乐庄重典雅,四个乐章的速度对比为“慢一快一慢一快”,原则上不能出现世俗舞曲,科雷利称呼他于1683年和1689年写作的两套奏鸣曲为“教堂奏鸣曲”。

　　【室内奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。通常由一两件独奏乐器加上通奏低音组构成,小提琴是最常见的独奏乐器。室内奏鸣曲由一系列世俗舞曲组成,如加沃特、库朗特、萨拉班德、吉格等,风格明朗活泼,在王室宫廷和贵族府邸演奏,科雷利的奏鸣曲Op2和Op4是室内奏鸣曲的范例。

　　【独奏奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。由一件独奏乐器加上两件通奏低音乐器构成,独奏乐器可以是小提琴、大提琴、双簧管或者大管。科雷利于1700年创作的12首独奏奏鸣曲(Op.5)是该体裁的典范。

　　【众赞歌前奏曲】17世纪根据路德宗赞美诗旋律而作的管风琴曲的统称。在路道教堂的礼仪音乐开始之前,管风琴师演奏一遍众赞歌曲调作为前奏，可有多种处理方式,或将曲调作为定旋律写作对位,或进行赋格式处理或加以装饰扩展,或作为主题进行变奏等。代表作曲家有：布克斯特胡德、帕赫贝尔、伯姆、JS.巴赫等。

　　【意大利序曲】意大利歌剧作曲A.斯卡拉第于1680年前后创立的序曲,常置于声乐戏剧之前,作为器乐序奏,称为“辛弗尼亚”,由“快一慢一快”三段组成,是交响曲的直接前身。

　　【法国序曲】17世纪在歌剧、清唱剧和芭蕾舞剧之前演奏的器乐曲,由“慢快一馒”三段组成,一般包括一个庄严缓慢的附点节奏段落,继以一个模仿风格的快速段落,最终以快速段结束。法国序曲由法国歌剧作曲家吕利创用。

　　【古钢琴】盛行于文艺复兴和巴洛克时期的键盘乐器种类的统称,通常有楔槌键琴和羽管键琴两种。楔槌键琴用铜楔击弦发音,又称“击弦古钢琴”,形制较小,音量有限,适合室内演奏;羽管键琴用羽管拨弦发音,又称“拨弦古钢琴”,形制大型,多有两层键盘,发音洪亮,音色清脆,在巴洛克时期常担任通奏低音乐器。古钢琴在18世纪晚期逐步被近代钢琴所取代。

　　【赋格】在一个主题上形成的多声部模仿对位体裁。其结构因素包括:主题、答题、对题、间插段、呈示部、展开部、再现部,主题是赋格中最早进入的声部,对主题的模仿进入称为答题,每次伴随主题或答题出现并与之形成对位的声部称为对题,赋格就是由主题的多次进入及其对位声部构成,变化主题的手法有增值、减值、倒影、逆行、密接和应等,并有相应的调性和声布局。赋格起源于15世纪末复调声乐曲中的旋律模仿进入作为独立的器乐体裁成型于17世纪,是复调音乐成熟的产物，在巴赫和亨德尔等作曲家的创作中获得完美的发展。

　　【组曲】1750年前后指一组用同一调性写作的舞曲乐章,其前身是16世纪琉特琴或键盘乐器中成对或成组的舞曲。德国作曲家弗洛贝格尔确立了阿勒曼德一库朗特一萨拉班德和基格四乐章舞曲组曲的体裁形式,对巴赫和亨德尔的键盘组曲有极大影响。法国作曲家库泊兰的羽管键琴组曲包含8-15首小曲,多带有描绘性标题,如“恋爱中的夜莺”“蒙妮卡姐妹”等。

　　第五节 巴洛克的作曲家

　　【多·斯卡拉蒂】，巴洛克时期意大利作曲家、演奏家,他是A·斯卡拉蒂的儿子。他在古钢琴音乐创作与演奏方面,有较大的贡献。他的作品最著名的是奏鸣曲,他称为练习曲，都表现艰深快速的乐句、分割的和弦等效果,其中也使用了些创新的效果,最显著的是双手交叉的奏法。他共作有555首奏鸣曲,每一 首 都解决一种技巧上的问题,或发明一种音响上的效果。另外还作有12部歌剧、50部清唱剧以及其他圣乐。

　　【科莱里】是巴洛克时期意大利著名的小提琴演奏家、作曲家、指挥家,曾作有许多三重奏鸣曲和大协奏曲等作品。

　　【塔蒂尼】是巴洛克末期和古典主义前期的、也是历史上最伟大的意大利小提琴家之一。他作有150多首小提琴奏鸣曲、140多首协奏曲、50首三重奏等。他的小提琴奏鸣曲《魔鬼的颤音》技巧高深,至今都为小提琴家所珍爱。

　　【商蓬涅尔】是17世纪法国古钢琴音乐的重要代表人物，其古钢琴音乐具有纤细的风格,显然受到宫廷芭蕾音乐的影响。

　　【J·库泊兰】是巴洛克时期法国古钢琴音乐的重要代表人物,他写过许多带标题的、非组曲结构的小品,立意鲜明,其风格清新流畅,带有法国宫廷艺术的典雅细腻、精美、灵巧的趣味。其代表作有《莫尼克小姐》、《收割者》、《蝴螺》等。

　　【蒙特威尔第】16世纪末至17世纪上半叶的意大利作曲家,1590年起供职于曼图亚公爵府,1613年起任职于威尼斯圣马可大教堂,是威尼斯歌剧乐派的奠基人,完整留存歌剧作品《奥菲欧》《尤利西斯返乡记》和《波佩亚的加冕》,确定歌剧中独唱与合唱、主调与复调、声乐与器乐之间的比例关系,强调以音乐手段表达人的情感,创立“激情风格”,并在器乐中采用弦乐的震音和拨弦等新手法。所作世俗声乐作品包括9卷牧歌,努力深化音乐的表现力,运用了大量背离传统的手法,走在了时代的前列。蒙特威尔第在继承文艺复兴音乐成果的同时开创了巴洛克新的声乐和器乐风格。

　　【A.斯卡拉蒂】巴洛克时期意大利作曲家,为正歌剧形式的定型做出重要贡献创用返始咏叹调、将宣叙调细分为清宣叙调和带伴奏宣叙调,采用的快一慢一快三段式的歌剧序曲,都成为意大利正歌剧标志性的特点。极为多产,除了115部歌剧外,尚作有150首清唱剧、600首康塔塔、大量教堂音乐和器乐作品,《米特里达特·尤帕托雷》为其歌剧的顶峰之作。

　　【吕利】巴洛克时期法籍意大利作曲家,1664年始与莫里哀合作一系列芭蕾戏剧,如《贵人迷》,70年代以后与台本作家基诺联合创作“抒情悲剧”,成为法国歌剧的创始人,他改变意式宣叙调,减弱咏叹调的作用,突出合唱队和芭蕾舞的地位,并创立慢一快一慢的法国歌剧序曲模式代表作有《卡德莫斯与埃尔米奥纳)《阿西斯与加拉蒂亚》等。

　　【拉莫】巴洛克时期法国作曲家、羽管键琴家和音乐理论家。1722年出版《和声基本原理》,为现代和声理论奠定基础；1741年出版《羽管键琴音乐会集),50岁以《伊波利特与阿里西埃》开始其歌剧事业,成为继吕利之后最重要的法国歌剧作曲家,主要的舞台作品还有歌剧一芭蕾《华丽的印度》。

　　【普塞尔】巴洛克时期英国最伟大的作曲家,作有各种音乐种类:教堂音乐、戏剧音乐、宫廷颂歌、键盘音乐和室内音乐,所作戏剧音乐多为戏剧配乐和半歌剧,如《阿瑟王》《仙后》等,唯一的歌剧作品《迪多与埃涅阿期》受到意大利和法国歌剧的影响,同时又具有突出的英国特色。

　　【F.库泊兰】17-19世纪法国键盘乐音乐世家中最著名者,世称“大库泊兰”,生前在凡尔赛宫任皇家管风琴师,创作了键盘乐曲、器乐重奏及教堂声乐。他的200多首羽管键琴曲组合成27套组曲,技巧娴熟、精致动人,部分有引人入胜的标题,如“恋爱中的夜莺”,他还写作了最早的论述演奏法的理论书《羽管键琴演奏艺术》。

　　【科雷利】巴洛克时期意大利小提琴家和作曲家,学于博洛尼亚,后半生服务于罗马的红衣主教。他是意大利小提琴学派的创始人和近代小提琴演奏艺术的奠基人,创作虽不多,共72部作品,但他的三重奏鸣曲和大协奏曲,为巴赫和亨德尔等人的奏鸣曲和协奏曲创作打下重要基础。

　　【布克斯特胡德】巴洛克时期丹麦作曲家和管风琴家,对17-18世纪德国北部的管风琴音乐影响巨大。主要以教堂音乐闻名,作有弥撒曲、康塔塔、圣母颂歌等管风琴曲是他最重要的器乐创作,大量运用众赞歌前奏曲、托卡塔与赋格等体裁,直接启示了巴赫的管风琴音乐创作。

　　维瓦尔蒂是巴洛克末期意大利的代表作曲家。他对大协奏曲的定型起着重要的贡献。同时,他又是一位杰出的小提琴家,写过许多小提琴协奏曲。他的大协奏曲《四季》有着深远的影响。

　　【维瓦尔第】巴洛克时期意大利小提琴家和作曲家,作有歌剧、教堂音乐和各种器乐合奏,500多首协奏曲是其创作的核心,他继托雷利之后进一步确定小提琴独奏协奏的的形式结构,发展小提琴的演奏技术,创造了富于戏剧性的演奏风格,并为当时几乎每一件乐器都写作了协奏曲,对后世协奏曲发展有重要影响。他还是标题音乐的先行者,小提琴协奏曲《四季》前附有说明音乐内容的短诗。  

　　JS·巴赫是巴洛克时期最重要的德国作曲家之一。生于德国爱森纳赫的一个音乐世家。10岁时父母双亡,依靠长兄生活,并学习古钢琴,中学毕业后,他开始了音乐家的生活,在多处宫廷或教堂担任提琴手、管风琴师、钢琴师、乐队与歌队指挥,后任魏玛、奎登等处宫廷乐长。1749年双目失明,1750年7月去世。巴赫作品博大精深,浩如烟海,除了歌剧以外,各种声乐和器乐体裁无不涉猎。声乐作品以宗教音乐为主,所作近300部教堂康塔塔现存195部。他写有5部受难曲,但完整保存下来的有两部:《马太受难曲》、《约翰受难曲》。在器乐方面,他作有各种体裁的大量的管风琴曲,包括众赞歌幻想曲、前奏曲、变奏曲、赋格曲、托卡塔、帕萨卡利亚等。他还把维瓦尔第的小提琴协奏曲改编成管风琴协奏曲和古钢琴协奏曲。他写的两卷《平均律钢琴曲集》用遍了大小24个调，以证明键盘乐器采用平均律的优越性。他著有《法国组曲》6首、《英国组曲》6首、《帕蒂塔》6首,都是舞曲组成的套曲。他还作有《六首无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》、《六首无伴奏大提琴组曲》和《独奏长笛奏鸣曲》。他最重要的乐队作品是4部乐队组曲和6部《勃兰登堡协奏曲》,他最后的作品《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是集300年来复调技术总结性的作品。  

　　巴赫是位度诚的基督教徒,同时又接受早期启蒙思想的影响,即使他的宗教音乐作品也常常闪烁着人文主义的思想光芒,深刻地反映了那个时代社会、经济、人文思想的心态。他崇尚理性,尊重科学,他的每一部作品都包含一定的哲学伦理的意义,但表现形式却不是抽象的、教条的,而是和抒情、写景密切结合。他继承了16世纪以来德国声乐和器乐的传统,吸收了意大利和法国音乐的技法,把复调音乐提高到前所未有的高度,包括提琴这样的主调乐器,他都能赋予极其美妙的复调对位。同时,他又表现出创作主题旋律的巨大才能,他的旋律更加器乐化,个性鲜明面精练。他的旋律常和对位结合,将丰富的和声、调性的转换,融于赋格曲这类复杂的高级的复调离形式之中,他的和声表现得充实而富于变化,常常用半音进行,节奏在音乐中的地位突出，变奏手法也非常多样,高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用的成就,使巴赫成为音乐史上一个继往开来的关键人物。

　　【J.S.巴赫】18世纪上半叶德国作曲家和管风琴家,生前曾于魏玛、缪尔豪森、安哈尔特-克滕、莱比锡等地任职管风琴师或宫廷乐正,1750年逝世。作品浩如烟海,作有当时盛行的各类音乐体裁,教堂声乐音乐集中于康塔塔、弥撒曲和受难曲,虽然终生未写作歌剧,但歌剧的语汇和戏剧性在《咖啡康塔塔》《b小调弥撒》和《马太受难曲》等作品中显露无疑。器乐音乐有:为教堂礼仪写作的170多首管风琴曲,如众赞歌前奏曲、托卡塔与赋格等,为教学而写作的古钢琴曲《创意曲》《平均律钢琴曲集》《法国组曲》等,管弦乐作品中包含6首《勃兰登堡协奏曲》、4首《乐队组曲》和《音乐的奉献》等。巴赫是巴洛克音乐的集大成者,对位技艺及音乐描绘精湛华丽,精通文艺复兴晚期及巴洛克时期的一切音乐形式,所作音乐在有着实用功能的同时也独具匠心,富有极高的艺术价值。 

　　 亨德尔是巴洛克时期最重要的德国作曲家之一。生于德国的哈雷。7岁时在宫廷礼拜堂演奏管风琴而引起公爵的注意,并支持他学习音乐。1702年,他进入哈雷大学法学院,但一个月后,离开学院去加尔文教堂任管风琴师。1703年他进入汉堡歌剧院任小提琴师。1705年上演他的第一部歌剧《阿尔米拉》。1706年他去意大利研究歌剧写作三年,1710年离开意大利去汉诺威任选帝侯乔治的宫廷乐师。1711年、1712年两次去伦敦,后乐而忘返。但1714年英国安妮女王去世,汉诺威选帝侯乔治继位为英王,他对亨德尔久假不归,耿耿于怀,但爱其音乐才能,后两人和解。从此亨德尔定居英国。1759年4月14日在英国去世。 

　　 亨德尔是巴洛克后期最重要的歌剧作曲家,毕生著有40多部歌剧,有36部于1711--1740年间在英国演出,其中《尤利乌斯·凯撒在埃及》、《塔梅拉诺》、《罗德琳达》、《奥兰多》等较重要。他的歌剧大多以意大利正歌剧的形式来表现的,用宣叙调铺叙剧情,用咏叹调刻画人物的性格和内心世界。他的咏叹调是多样的,一般都很宽阔而舒展,而且常带技巧性。  

　　18世纪30年代,当意大利歌剧在伦敦遭冷遇时,亨德尔不得不转向清唱剧的创作。他毕生写过23部清唱剧,这些清唱剧全用英文歌词,并取材《圣经》和英国国教祈祷书,内容也切合当时英国的爱国心理和民主愿望,因此受到民众的热烈欢迎。他的清唱剧《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《犹大·马加比》、《参孙》、《耶弗塔》都是他的不朽之作。他的器乐曲在全部创作中占有一定的比重。但不如歌剧和清唱剧重要,同时,他还著有多首管风琴协奏曲、两卷古钢琴组曲、大协奏曲等。最重要的器乐作品是他的两部乐队组曲《水上音乐》、《皇帝烟火音乐》。他的器乐曲主题简明,音乐形象具体,其管风琴协奏曲表现出他的即兴式的风格,室内乐(如小提琴独奏奏鸣曲、三重奏鸣曲)中发展了小提琴的旋律性和歌唱性的特长。大协奏曲采用“慢一快一慢一快”四乐章的教堂奏鸣曲形式,但不属于真正意义上的大协奏曲,而只能是乐队协奏曲。亨德尔的音乐的旋律富有歌唱性,具有宽广、悠长、庄严的特点;和声属自然音阶性质,较少转调:合唱音乐更有着宏伟的气魄,具有主调音乐的风格;他的复调音乐对深化戏剧发展,刻画感情深度起到重要作用。但在写作中十分注意纵向的和声关系,他常用细腻的笔调展示出感人的气质。他的音乐以其宏伟的音乐风格,预示了主调音乐风格时期的到来。

　　【亨德尔】18世纪上半叶英籍德裔作曲家。出生于德国哈雷,早年在汉堡学习歌剧，之后游学意大利,1710年任汉诺威选帝侯乐正,1712年以后定居英国伦敦，1719年逝世,安葬于威敏寺大教堂。亨德尔是出色的戏剧音乐作曲家，创作有40余部歌剧,近30部清唱相剧及大量器示乐音乐，他的创作体现出对于意大利的美声咏唱、德国的复调逻辑和英国的恢弘合唱传统的融会贯通,擅长将主调和复调技法相交融,音乐效果华丽出众,是典型的巴洛克风格。主要音乐作品有:歌剧《朱利叶斯·凯撒》《里纳尔多》《赛尔斯》,清唱剧《弥赛亚》《以色列人在埃及》《犹大·马加比》《耶弗他》,管弦乐组曲《水上音乐》《皇室焰火《大协奏曲12首》(Op.6)《管风琴协奏曲》(Op.4、Op.7)《羽管键琴组曲》等。

　　【《马太受难曲》】J.S.巴赫的《根据<马太福音〉创作的耶稣受难曲》的通用名称,由双合唱队、独唱、双管弦乐队和两架管风琴于1727年受难节首次公演。唱词取自《马太福音》的第26、27章,由男高音宣叙调和合唱陈述故事,缀以众赞歌、重唱及大量咏叹调,耶稣、彼得、犹大等角色由男低音和男中音分饰,合唱队有时参与故事叙述,有时又作为旁观者对情节加以评述。《马太受难曲》遍布精雕细球的音乐绘词法,并将所有音乐要素融会在虔敬壮丽而又富于戏剧性的宗教主题之下,是路德教堂期音乐的完美典范。

　　【《b小调弥撤》】J.S.巴赫作于1733---1748年的大弥撒曲，全曲以严格的天主教常规弥撒套曲形式构建,由慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经和羔羊经5项常规弥撒组成,共27曲。其中部分音乐素材来自于巴赫以前创作的康塔塔,运用歌剧语汇、协奏曲结构和舞曲风格创作,有效综合了文艺复兴音乐风格和巴洛克音乐风格,是继承了西方早期教堂声乐传统的大型合唱音乐的里程碑式的杰作。

　　【《创意曲集》】J.S.巴赫1723年为其长子W.F.巴赫学习键盘弹奏而写作的对位性乐曲,包含15首二部和15首三部创意曲,其本质是根据某一主题即兴发展而成的复调钢琴小曲,类似小赋格曲。作曲家曾指示,他的创作意图是帮助楔槌键琴爱好者“不仅获得良好的创意,并能充分加以展开”,并且“学习如何歌唱般的演奏”。

　　【《平均律钢琴曲集》】巴赫为键盘乐器而作的两套曲集,第一集1722年左右完成于克滕,有明确的教学目的,第二集1740年左右在莱比锡汇集编纂。每集各有24首前奏曲和赋格,用遍24个大小调写作,每一首前奏曲与赋格置于同一调性上,但主题间没有联系。前奏曲形式自由,赋格曲显示了巴赫卓绝的对位创作技艺。曲集证实了十二平均律的优越性,进一步确立了西方大小调式,是巴赫键盘作品的最高杰作。

　　【《哥德堡变奏曲》】巴赫1742年出版的《键盘练习曲》的第四部分,应学生和钢琴家哥德堡之请,为患失眠症的俄国驻萨克森大使凯泽林伯爵而写。包括主题与30个变奏,标志着巴洛克变奏曲难以逾越的高峰,30个变奏分为10组,每组都由2个技术性变奏和1个卡农变奏构成,各首卡农依次采用从同度到九度的音程写作,最后一个变奏是一首集腋曲,把两个流行歌曲“我离开你以很长久”“青菜萝卜”，以对位手法巧妙地组合起来。

　　【《勃兰登堡协奏曲》】巴赫1721年任职克滕期间,为勃兰登堡选帝侯而作的一组管弦乐作品,共6首。乐曲多为“快一慢一快”三乐章形式,每首有不同的乐器配置,其中第3协奏曲和第6协奏曲没有突出的独奏乐器,属于乐队协奏曲,第1、2、4、5首以合奏组和独奏组进行竞奏对比,属于大协奏曲类型。《勃兰登堡协奏曲》是巴赫管弦乐作品登峰造极之作。

　　【《音乐的奉献》】JS.巴赫1747年在波茨坦晋见普鲁土的腓特烈大帝时,根据皇帝御赐主题即兴演奏的作品,包含2首键盘利切卡尔,10首卡农和1首由长笛、小提琴与羽管键琴演奏的三重奏鸣曲,全曲庄严雄伟。原题词“regis lussu cantio et reliqua canonica arte resolusa”(意为“奉王命敬按卡农手法发展御制歌曲”，将每个词的为首字母连缀起来,即成《利切卡尔)体裁名。

　　【《以色列人在埃及》】亨德尔创作于1738年的清唱剧,脚本来自《旧约·出埃及记》和《祈祷书》的诗篇,1739年首演。剧情大意:以色列人在埃及受到法老的奴役,摩西在耶和华的神谕引导下,带领以色列人出走埃及,渡过红海到达以色列。剧中运用大量合唱形式表情达意,渡红海时的大合唱波澜壮阔,引人入胜。

　　【《弥赛亚》】亨德尔所作的清唱剧,歌词由詹宁斯根据《圣经》撰写,1742年首演于首都柏林。弥赛亚意为“受膏者”,是基督教对救世主耶稣的称呼,此剧讲述了耶稣的一生,共3部54曲,分别讲述了耶稣的诞生、受难和复活。合唱是此剧的核心,著名的段落如“耶稣诞生预言”“哈利路亚”等都显示了巴洛克宗教合唱音乐辉煌壮丽的顶峰。

　　【《犹大·马加比》】亨德尔作于1747年的清唱剧,受威尔土亲王之命,为庆祝英军战胜苏格兰军而作,神学家托马斯·莫瑞据《次经·马加比传》撰脚本,同年首演于伦敦。剧情大意:犹太领袖犹大·马加比与其三兄弟率民众抵抗入侵国土的叙利亚人,最终收复了耶路撒冷,恢复圣殿祭祀,后于前161年阵亡。全剧共三部分69曲,有着十数首精彩绝伦的壮丽合唱曲,“看!英雄今朝得胜归”闻名于世。

　　【《裘里乌斯·凯撒》】亨德尔作于1723年的三幕正歌剧,尼古拉,海姆撰脚本,1724年在伦敦首演。剧情描写了克里奥佩特拉与兄弟托勒密之间的埃及王位之争以及她与凯撒的爱情。作曲家按照巴洛克惯例写作,由中音阉伶歌手饰演凯撒一角,通过大量炫技咏叹调来塑造人物性格。

　　【《四季》】维瓦尔第所作的小提琴独奏协奏曲,由描写春夏秋冬四个季节的12个乐章构成,辑入《和谐与创意的尝试协奏曲集》,1725年出版于阿姆斯特丹。音乐描绘生动、小提琴演奏技艺高超,作曲家还在每一个乐章前附有短诗,说明该乐章描绘的景象,是最早的标题音乐之一。

　　【《水上音乐》】亨德尔于1717年为泰晤士河上的一次皇室巡游而作的管弦乐组曲,共约20曲,1740年出版现代常见版本为爱尔兰作曲家哈蒂于1922年改编成的6首乐队组曲版,包括有著名的咏叹调、号管舞曲等乐章。第五章 古典主义时期音(18世纪下半叶一19世纪20、30年代)

　　第一节古典主义音乐概况

　　1750年(J·S·巴赫去世)至19世纪20-30年代,这一时期为古典主义音乐时期,它包含了两大时段:“前古典时期”和“维也纳古典时期”。“前古典时期”也被称为“后巴洛克时期”,从喜歌剧的兴起与繁荣,格鲁克的歌剧改革,以及各种器乐(奏鸣曲、协奏曲、重奏曲,交响曲)的成熟与发展,构成了体现这一时期风格的重要音乐现象。“维也纳古典时期”通常也用“古典主义高峰”来称谓,指18世纪末至19世纪初,以海顿、莫扎特、贝多芬的创作为代表,在音乐上形成一种古典风范的音乐而言。随着“启蒙运动”的发展,欧洲的社会、经济、文化等都发生了新的变革,整个音乐生活也发生了迅速的演变。这一时期的音乐文化有以下特征:(1)市民音乐有了很大发展,歌剧院、音乐厅不断涌现,酒馆、集市等公共场合的音乐活动频繁,乐谱出版、乐器制造业日趋繁荣。(2)音乐家的地位发生了变化,从“仆人”向“自由音乐家”过渡。(3这一时期的音乐作品有着新的内容和新的形式,都有鲜明的特征:创作上世俗因素不断加强,与民间音乐有了更紧密的联系;主调音乐占绝对优势;形式结构趋向匀称严谨；乐思发展注重逻辑；音乐中的矛盾冲突因素逐渐加强和深化；乐曲风格大多明朗乐观。一些重要的器乐体裁如交响套曲、奏鸣套曲、协奏曲、室内乐重奏等已臻于成熟,在形式上逐步达到完美的境界。现代交响乐队的编制亦初步定型。(4）这一时期的代表人物是海顿、莫扎特、贝多芬因为他们的主要音乐活动都以维也纳为中心,在创作风格和美学原则方面有承前启后的联系,后人称他们为“维也纳古典乐派”。

　　第二节 音乐风格

　　【洛可可风格】洛可可一词来源于对装饰艺术中典雅精致、轻盈飘逸风格的描述。在音乐上,学者们认识不一,有人认为并不存在此风格时段；也有学者认为18世纪的法国音乐,尤其是在钢琴音乐和歌剧、芭蕾音乐为洛可可风格的音乐;也有学者将它来形容“前古典时期”的音乐。

　　【华丽风格】华丽风格是指18世纪的一种自由的和声式写作,与严格对位、精心构思的巴洛克风格相异。华丽风格与洛可可风格十分接近,反映出对宫廷、贵族的那种精雕细刻、优美典雅风格的追求,同时,也表现出新兴的、轻快活泼的音乐风格。这在佩格莱西、萨马尔蒂尼的作品中有较多的反映。

　　【情感凤格(或译“激情风格”)】情感风格是指18世纪以C·P·E·巴赫的交响曲与键盘奏鸣曲为代表，这种风格与巴洛克时期追求类型化的情感表现不同,接近“华丽风格”,但更注重内在的激情，避免过多外在的装饰。

　　第三节 前古典主义时期的歌剧及其他声乐体裁

　　18世纪的意大利喜歌剧  喜歌剧产生在18世纪的意大利,它是在正歌剧中的幕间剧的基础上产生的。喜歌剧在启蒙主义思潮的影响下,一反意大利正歌剧的“矫揉造作”,而追求“自然”的艺术表现,上场的演员不多,穿时装,不穿古装,剧词幽默、诙谐,有咏叹宣叙调,也有日常生活中的歌谣和歌曲,其主题都为现实性的,多取材市民农民的生活,音乐生动富有活力,强调舞台实的表演,因此受到广泛的欢迎。第一部 喜歌剧是佩格莱西在1733年写作的《管家女仆》。

　　【喜歌剧】诙谐幽默的歌剧。产生于18世纪的意大利,题材轻松活泼,取材于日常生活,主角为平民百姓,往往描写主仆关系等,情节幽默滑稽,音乐简短质朴,以说白和对话取代宣叙调。1733年,意大利作曲家佩尔戈莱西创作的《女仆作夫人》是第一部意大利喜歌剧。紧接着,法国、英国和德国都发展了各自的喜歌剧。

　　18世纪的法国喜歌剧  法国的喜歌剧的前身是一种在民间流行的集市剧,它是一种有说、有唱的小型音乐剧。1752年意大利喜歌剧团来巴黎演出佩格莱西的喜歌剧《管家女仆》,进一步引起人们对这种歌剧的兴趣和注意,引发了音乐历史上著名的“喜歌剧之争”。以卢梭为代表的启蒙主义者大力支持这种歌剧体裁,以法王路易十五为代表的部分守旧的贵族则大力抨击喜歌剧,极力维护旧的歌剧传统,卢梭以作曲家的身份投入论战,并写出法国第一部喜歌剧《乡村占卜者》,这场论战的结果,导致法国喜歌剧的诞生。到了18世纪末期,法国出现了一种“严肃的喜歌剧”,它主要描写人民反抗暴政和暴君的斗争,情节是主人公经过种种磨难,最后得到拯救。因此,这种“严肃的喜歌剧”音乐具有强烈的戏剧性效果,而喜剧性反而变成为一种补充和衬托了。A·格雷特里创作的歌剧《狮心王理查》就是这类严肃喜歌剧的代表作。

　　18世纪的德国歌唱剧  18世纪中叶前后,在德国出现了一种被称为歌唱剧的喜歌剧形式。同意大利和法国喜歌剧一样,德国喜歌剧也多具有气息浓郁,音乐语言简练、生动的特点。但是,德国歌唱剧中的咏叹调多采用的是德国的歌曲作为其基础音调,并以大段对白作为发展剧情的种手段,形成了富有民间特色的、有歌唱又有对白的音乐戏剧形式。奥地利作曲家K·迪特斯多夫、德国作曲家C·内夫等,都为这种体裁创作了重要的作品,德国歌唱剧的发展,进一步促进了德国民族歌剧的形成。

　　【正歌剧】严肃庄重的歌剧。产生于17世纪的意大利,盛行于巴洛克时期至古典主义中期,题材高尚,采用神话、历史和宗教故事写作,演出于贵族府邸或公开歌剧院。意大利诗人和台本作家梅塔斯塔济奥是正歌剧主要的剧本作家,写作了27部台本,被作曲家们反复谱曲。17、18世纪,重要的正歌剧作曲家有A.斯卡拉第、亨德尔和莫扎特。

　　18世纪的英国民谣剧  英国民谣剧兴起于18世纪初,它接近喜歌剧风格音乐多取自民间曲调和听众熟悉的歌剧咏叹调模拟借用。最流行的剧目是该伊作剧、佩普施选择和改编曲调的《乞丐歌剧》,因此,后也有人把英国民语剧戏称为“乞丐歌剧”。

　　格鲁克的歌剧改革  18世纪中叶,意大利正歌剧在欧洲广泛流行,但是,它的表演形式日趋呆板,歌唱演员过分炫耀声乐技巧从而破坏了戏剧的连贯性,这与启蒙时代倡导的“质朴、自然”的艺术原则是大相径庭,一些有见地的歌剧艺术家提出要改革意大利正歌剧音乐与戏剧关系僵化的现状,在后来歌剧改革中最重要的人物是格鲁克。格鲁克是德国作曲家,早年进行大量正歌剧的创作,为后来改革歌剧积累了丰富的经验。他受到亨德尔清唱剧的影响,奠定了他改革歌剧的思想。格鲁克改革的主旨是“质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则”歌剧中音乐的“真正使命”是“和诗配合,以便加强情感的表现”在他的歌剧中,宣叙调占有重要地位,并加强了旋律性,使其具有细致的情感表现力。他精练戏剧结构,删去咏叹调中华丽的炫技段,追求朴实无华的真情的表露；他的序曲不再是脱离歌剧整体构思的孤立的东西,而是预示剧情的有机部分；剧中的合唱、舞蹈都随剧情需要而存在,不能任意加添。他还在记谱时废弃了数字低音,而代之以具有明确的各声部的近代写法。他的歌剧仍然采用神话传说题材,却使之面目一新。他的代表作为《奥菲欧与优丽狄斯》《阿尔契斯特》、《帕里与海伦》、《伊菲姬尼在奥利德》等。他的歌剧改革与传统意大利正歌剧之间的对立,掀起了巴黎舆论界的论战,得到普遍的反对。但是,以卢梭为代表的启蒙主义者坚决支持格鲁克的歌剧改革。格鲁克的歌剧改革获得了重要的成果,不仅影响着18世纪末到19世纪的法国歌剧的面貌,而且影响到整个欧洲的歌剧。

　　【格鲁克】18世纪上半叶德国作曲家,创作了100多部歌剧。他与台本作家卡尔扎比吉合作致力于改革传统意大利歌剧的弊端,在《奥非欧》中创立了新的歌剧风格,摒弃声乐炫技,追求质朴感人,他们限制音乐的表现使之服务于诗歌,改革的原则在歌剧《阿尔切斯特》和《帕里斯与海伦)的前言中提出,在《伊菲姬尼在陶利德》等歌剧中奉行。他的创作对后世歌剧作曲家有较大影响。

　　曼海姆乐派  曼海姆乐派是18世纪德国曼海姆选侯的宫廷里,云集一批以约翰·斯塔米兹为首的作曲家、演奏家,他们创作、演出十分活跃,并有重大影响,被称为“曼海姆乐派”。曼海姆乐派在意大利歌剧序曲快一慢一快的结构基础上,又加入了快速度的第四乐章,从而奠定了古典交响乐套曲的基本的结构布局。曼海姆乐派的创作已有鲜明的主调音乐风格,结构明晰、旋律轻捷、和声简明。曼海姆乐队的编制已相当完整,其出色的演奏当时闻名全欧。他们突出乐队力度上的“渐强”、“渐弱”的丰富变化,增强了管弦乐队表达情感幅度的能力。

　　【曼海姆乐派】18世纪以交响乐队闻名的欧洲乐派,创始人为约翰·斯塔米茨,成员还有其子卡尔、作曲家霍尔茨鲍尔、歌唱家里赫特和指挥家卡纳比希,乐派确立了交响曲的主调音乐风格,加强主题对比,废除通奏低音记谱法,发掘新的乐器音色,增加乐队音响力度的幅度变化等,创作技法娴熟,演奏风格生动,为海顿和莫扎特的交响曲创作铺平道路。

　　第四节前古典主义器乐

　　柏林乐派  柏林乐派是18世纪在柏林形成的一个乐派,其代表人物是C·P·E·巴赫他主要的贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的先河。

　　古典主义时期的奏鸣曲 “奏鸣曲”一词源于意大利语,意为“鸣响”,主要是指器乐曲体裁。从早期的奏鸣曲到18世纪的奏鸣曲(现也称“古典奏鸣曲”),无论是结构上,还是在音乐风格上都发生了根本的改变。首先,奏鸣曲逐渐摆脱了乐器重奏为主的演出形式,取而代之的是一种以一件乐器独奏,或一件独奏乐器与钢琴的合奏为主的演出形式,音乐也逐渐由复调风格转变为主调音乐风格,更重要的是,18世纪的奏鸣曲在结构上的变化,它的结构通常是由以快板的奏鸣曲式为第一乐章的三个乐章构成,第二乐章是慢板的歌谣风的三部曲式,第三乐章又是快板的奏前曲式、回旋曲式或奏鸣回旋曲式所构成。

　　【古典奏鸣曲】古典奏鸣曲定型于18世纪中叶,是由一件或两件独奏乐器演奏的多乐章器乐套曲作品,常见的独奏乐器为键盘乐器和小提琴,钢琴独奏奏鸣曲是古典时期的典型形式。古典奏鸣曲的形式结构为:奏鸣曲式快板一慢速乐章一快板终曲。C.P·E巴赫和D.斯卡拉第是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者,海顿、莫扎特和克莱门蒂的奏鸣曲进一步发展了古典风格,贝多芬革新了古典奏鸣曲。

　　【奏鸣曲式】一种大型器乐音乐结构,定型于18世纪上半叶。由呈示部、展开部和再现部三大部分组成。呈示部包含在调性和性格上形成鲜明对比的主部和副部,它们是全曲的核心主题;展开部发展呈示部出现过的主题,调性频繁转移,极大地造就戏剧紧张度;再现部重现呈示部主题,但所有主题全部统一在主调上,形成音乐戏剧的完满解决。

　　【C.P.E.巴赫】古典主义时期德国作曲家和羽管键琴家,J.S.巴赫的次子。主要创作交响曲和键盘作品,奏鸣曲有200多首,如《普鲁土奏鸣曲》《沃尔滕堡奏鸣曲》,他的作品精致洗练、趣味高雅,脱离了纯对位写作的旧有风格,发展了主调音乐的新风格,乐章间的调性对比和形象对比处理日趋成熟并发展了奏鸣曲的戏剧性因素,是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者。

　　古典主义时期的协奏曲  古典主义时期的协奏曲不像巴洛克时期那般多样,而是以一件独奏乐器与管弦乐队组成的套曲体裁。古典时期的协奏曲通常由三个乐章组成:第一乐章常用带有双呈示部的奏鸣曲式；第二乐章慢速,曲式较自由,而三部曲式为多;第三乐章快速,采用奏鸣曲式、回旋曲式等曲式,此外,通常在第一乐章临结束时,有发挥乐曲主题和独奏技巧的华彩乐段。这种独奏乐器与乐队的协奏曲可在钢琴、弦乐、管乐等乐器上采用。海顿、莫扎特、贝多芬都创作有大量此类作品。

　　【古典协奏曲】盛行于欧洲18世纪的协奏曲类型,主要指由一件独奏乐器和管弦乐队协同演奏的作品,独奏乐器多为小提琴和键盘乐器,也有为两件乐器写作的协奏曲,如双钢琴协奏曲、小提琴和钢琴协奏曲。莫扎特为各类管、弦乐器写作了50多部协奏曲,并且在承袭巴洛克协奏曲形式的基础上,完善了沿用至今的古典协奏曲的结构形式:运用奏鸣曲式三乐章套曲结构,第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式,结尾有供演奏家即兴炫技的“华彩段”,第二乐章为抒情慢速乐章,终曲乐章轻快明朗。在莫扎特的协奏曲中,独奏乐器和乐队的关系和谐均衡,始终保持平等关系,古典协奏曲在他的创作臻于成熟。

　　古典主义时期的交响曲  交响曲一词来源于希腊语“symphonia”,原意为“声音一起响”,在17、18世纪所指的交响曲为“快一慢一快”三段的歌剧序曲。18世纪中后期,随着定期音乐会的日益流行,乐队的组织也日益庞大和完善,不少作曲家都积极从事大型器乐曲的创作,这样,序曲性质的交响曲逐渐脱离歌剧,发展成独立的器乐体裁,古典交响曲通常分为四个乐章:第一乐章,快板的奏鸣曲式；第二乐章,稍慢或慢板的抒情风格的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,快板或稍快的小步舞曲(贝多芬后改为谐谑曲)；第四乐章,快板或急板的奏鸣曲式、回旋曲式、奏鸣回旋曲式或变奏曲式。最早对这一体裁作出贡献的人物首推意大利作曲家萨马丁尼,他创作了交响曲、协奏曲、奏鸣曲和舞台音乐。他的交响曲不但出现了四个乐章的结构,而且在快板乐章中出现了运用奏鸣曲式,成为交响曲重要的奠基人。18世纪的曼海姆乐派对交响曲的最终形成也起着不可忽视的作用,他们创作出四个乐章的交响套曲,而且,他们对近代交响乐队的形成起着不可替代的作用。海顿晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟,他除了采用曼海姆乐派交响曲四个乐章的结构外,还明确了上述各乐章的性质和曲式。故而,海顿被称为“交响曲之父”。

　　【古典交响曲】交响曲是由交响乐队演奏的奏鸣曲,约定型于18世纪中叶。古典交响曲由四个乐章构成,第一乐章通常是用奏鸣曲式写作的快板第二乐章是慢速的乐章,第三乐章是小步舞曲或谐谑曲,第四乐章是快板或急板的终曲。交响曲的前身是“快一慢一快”的意大利歌剧序曲,所以意大利歌剧作曲家萨马尔蒂尼、佩尔戈莱西、约梅利和加卢皮等都是早期交响曲的作曲家,德奥地区的交响曲发展以柏林乐派、曼海姆乐派和维也纳乐派作曲家为代表.

　　古典主义时期的室内乐  室内乐是在室内演奏或演唱的音乐。室内乐重奏可分为二重奏、三重奏、四重奏、五重奏直至九重奏等多种演奏形式。因所用乐器种类不同,室内乐又有单纯弦乐器演奏的重奏以及弦乐器与钢琴、管乐器等混合演奏的重奏之别。室内乐通常用奏鸣曲套曲形式,有4个乐章(亦有少于或多于此数者),演出中不追求个人技巧的任意发挥,而强调声部间的默契配合。在所有的室内乐重奏中,弦乐四重奏是室内乐的重要形式,其由第一小提琴、第二小提琴中提琴、大提琴各1件组成,弦乐四重奏的形式在海顿的后期作品中达到成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构。他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴。

　　【弦乐四重奏】由2把小提琴、1把中提琴和1把大提琴演奏的室内合奏乐体裁，采用奏鸣曲式套曲结构写作。弦乐四重奏脱胎于18世纪初的小夜曲和嬉游曲,海顿的84首弦乐四重奏开始运用奏鸣曲式四乐章套曲形式,并以“谈话原则”组合乐器,确立了近代弦乐四重奏的写作风格。贝多芬以“拉祖莫夫斯基”和“庄严”为代表的弦乐四重奏作品,丰富了该体裁的音乐表现力和衍展力,使之成为室内乐的的核心体裁。浪漫主义的弦乐四重奏作曲家有舒伯特、门德尔松、勃拉姆斯、斯美塔那、德沃夏克、弗朗克、鲍罗廷、柴科夫斯基等,倾向于抒情,在主题展开和对位处理方面不加注重。20世纪的弦乐四重奏创作风格更为多样化,德彪西、巴托克、拉威尔、勋伯格、欣德米特、米约、肖斯塔科维奇等人创作了各具特色的弦乐四重奏作品。

　　古典主义时期的管弦乐队  古典主义时期的管弦乐队的规模因演奏场合而异。歌剧院的乐队规模较大；宫廷的乐队因庇护人的经济情况而大小不等,到18世纪中叶约有20-40人。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管,有时长笛可替换双簧管。18世纪下半叶,单簧管才逐渐加入管弦乐队。当要求有辉煌明亮的音响效果时,常运用小号和定音鼓,而长号直到世纪末仍然主要用于教堂音乐,尚未成为正规管弦乐队的成员。18世纪的木管乐器还没有发展得十分完善,即使演奏同一首乐曲,当时乐队发出的音响与今天的演奏效果并不完全相同。在现代意义的指挥出现之前,羽管键琴演奏者(有时是作曲家本人)充当指挥作用,以后为首席小提琴所取代。

　　维也纳古典乐派维也纳古典乐派是18世纪下半叶在维也纳形成的一个乐派,在历史上,人们常说的“维也纳古典乐派”是以海领、莫扎特和贝多芬为代表的音乐家群体,他们都生活在维也纳,并在那创作出大量的经典作品；在创作思想与美学原则上,有承上启下的联系。他们都受到欧洲启蒙主义思潮的影响,创作出带有鲜明人道主义思想和明朗、奋进的乐观主义作品,同时,他们都继承了欧洲特别是德奥音乐文化传统,并对音乐的各个体裁进行了一系列的改革与创新,他们的作品中确立了主调和声风格的主导地位,又创造性地运用了复调对位手法,其作品既有明晰而严谨的形式,又充满深刻的思想内涵:既吸收了德奥民间音乐传统,又富有高超的作曲技法,这一切使他们的音乐具有无穷的魅力,从而使欧洲古典主义音乐到达顶峰。

　　【D.斯卡拉蒂】古典主义时期意大利作曲家和古钢琴家,A.斯卡拉蒂之子。当时最重要的羽管键琴作曲家,作有单乐章的钢琴奏鸣曲近60首,大多用二段式结构,主题风格多样,织体处理灵活。独创炫技性演奏手法如大幅度跳跃、双手交叉、快速平行三六度、刮奏、长颤音等。他的创作直接影响了维也纳古典奏鸣曲。

　　【维也纳古典乐派】18世纪下半叶到19世纪初活跃于维也纳一批德奥作曲家的总称,包括格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特等人。他们都在维也纳度过创作的成熟时期,思想和艺术风格一脉相承,在继承欧洲专业音乐传统的基础上,对音乐内容和形式的革新有着重要的贡献，他们的作品堪称后世音乐的楷模，是18、19世纪之交的西方音乐高峰。

　　【音乐会序曲】始于19世纪的一种管弦音乐形式,类似歌剧或戏剧的序曲,但专供音乐会演出。贝多芬的一系列戏剧配乐的序曲体现了戏剧性和交响性,对于音乐会序曲的创立有重要影响。门德尔松的《仲夏夜之梦》通常被认为是第一部真正的音乐会序曲,19世纪典型的音乐会序曲还有门德尔松的《赫布里底斯群岛》勃拉姆斯的《悲剧序曲》柴科夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》。

　　第五章 古典主义时期音乐（下）

　　第四节前古典主义器乐

　　【柏林乐派】  柏林乐派是18世纪在柏林形成的一个乐派,其代表人物是C·P·E·巴赫他主要的贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的河。 

　　【古典主义时期的奏鸣曲】 “奏鸣曲”一词源于意大利语,意为“鸣响”,主要是指器乐曲体裁。从早期的奏鸣曲到18世纪的奏鸣曲(现也称“古典奏鸣曲”),无论是结构上,还是在音乐风格上都发生了根本的改变。首先,奏鸣曲逐渐摆脱了乐器重奏为主的演出形式,取而代之的是一种以一件乐器独奏,或一件独奏乐器与钢琴的合奏为主的演出形式,音乐也逐渐由复调风格转变为主调音乐风格,更重要的是,18世纪的奏鸣曲在结构上的变化,它的结构通常是由以快板的奏鸣曲式为第一乐章的三个乐章构成,第二乐章是慢板的歌谣风的三部曲式,第三乐章又是快板的奏前曲式、回旋曲式或奏鸣回旋曲式所构成。

　　【古典奏鸣曲】古典奏鸣曲定型于18世纪中叶,是由一件或两件独奏乐器演奏的多乐章器乐套曲作品,常见的独奏乐器为键盘乐器和小提琴,钢琴独奏奏鸣曲是古典时期的典型形式。古典奏鸣曲的形式结构为:奏鸣曲式快板一慢速乐章一快板终曲。C.P·E巴赫和D.斯卡拉第是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者,海顿、莫扎特和克莱门蒂的奏鸣曲进一步发展了古典风格,贝多芬革新了古典奏鸣曲。

　　【奏鸣曲式】一种大型器乐音乐结构,定型于18世纪上半叶。由呈示部、展开部和再现部三大部分组成。呈示部包含在调性和性格上形成鲜明对比的主部和副部,它们是全曲的核心主题;展开部发展呈示部出现过的主题,调性频繁转移,极大地造就戏剧紧张度;再现部重现呈示部主题,但所有主题全部统一在主调上,形成音乐戏剧的完满解决。

　　【C.P.E.巴赫】古典主义时期德国作曲家和羽管键琴家,J.S.巴赫的次子。主要创作交响曲和键盘作品,奏鸣曲有200多首,如《普鲁土奏曲》《沃尔滕堡奏鸣曲》,他的作品精致洗练、趣味高雅,脱离了纯对位写作的旧有风格,发展了主调音乐的新风格,乐章间的调性对比和形象对比处理日趋成熟并发展了奏鸣曲的戏剧性因素,是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者。

　　【古典主义时期的协奏曲】  古典主义时期的协奏曲不像巴洛克时期那般多样,而是以一件独奏乐器与管弦乐队组成的套曲体裁。古典时期的协奏曲通常由三个乐章组成:第一乐章常用带有双呈示部的奏鸣曲式；第二乐章慢速,曲式较自由,而三部曲式为多;第三乐章快速,采用奏鸣曲式、回旋曲式等曲式,此外,通常在第一乐章临结束时,有发挥乐曲主题和独奏技巧的华彩乐段。这种独奏乐器与乐队的协奏曲可在钢琴、弦乐、管乐等乐器上采用。海顿、莫扎特、贝多芬都创作有大量此类作品。

　　【古典协奏曲】盛行于欧洲18世纪的协奏曲类型,主要指由一件独奏乐器和管弦乐队协同演奏的作品,独奏乐器多为小提琴和键盘乐器,也有为两件乐器写作的协奏曲,如双钢琴协奏曲、小提琴和钢琴协奏曲。莫扎特为各类管、弦乐器写作了50多部协奏曲,并且在承袭巴洛克协奏曲形式的基础上,完善了沿用至今的古典协奏曲的结构形式:运用奏鸣曲式三乐章套曲结构,第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式,结尾有供演奏家即兴炫技的“华彩段”,第二乐章为抒情慢速乐章,终曲乐章轻快明朗。在莫扎特的协奏曲中,独奏乐器和乐队的关系和谐均衡,始终保持平等关系,古典协奏曲在他的创作臻于成熟。

　　【古典主义时期的交响曲】  交响曲一词来源于希语“symphonia”,原意为“声音一起响”,在17、18世纪所指的交响曲为“快一慢一快”三段的歌剧序曲。18世纪中后期,随着定期音乐会的日益流行,乐队的组织也日益庞大和完善,不少作曲家都积极从事大型器乐曲的创作,这样,序曲性质的交响曲逐渐脱离歌剧,发展成独立的器乐体裁,古典交响曲通常分为四个乐章:第一乐章,快板的奏鸣曲式；第二乐章,稍慢或慢板的抒情风格的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,快板或稍快的小步舞曲(贝多芬后改为谐谑曲)；第四乐章,快板或急板的奏鸣曲式、回旋曲式、奏鸣回旋曲式或变奏曲式。  最早对这一体裁作出贡献的人物首推意大利作曲家萨马丁尼,他创作了交响曲、协奏曲、奏鸣曲和舞台音乐。他的交响曲不但出现了四个乐章的结构,而且在快板乐章中出现了运用奏鸣曲式,成为交响曲重要的奠基人。18世纪的曼海姆乐派对交响曲的最终形成也起着不可忽视的作用,他们创作出四个乐章的交响套曲,而且,他们对近代交响乐队的形成起着不可替代的作用。海顿晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟,他除了采用曼海姆乐派交响曲四个乐章的结构外,还明确了上述各乐章的性质和曲式。故而,海顿被称为“交响曲之父”。

　　【古典交响曲】交响曲是由交响乐队演奏的奏鸣曲,约定型于18世纪中叶。古典交响曲由四个乐章构成,第一乐章通常是用奏鸣曲式写作的快板第二乐章是慢速的乐章,第三乐章是小步舞曲或谐谑曲,第四乐章是快板或急板的终曲。交响曲的前身是“快一慢一快”的意大利歌剧序曲,所以意大利歌剧作曲家萨马尔蒂尼、佩尔戈莱西、约梅利和加卢皮等都是早期交响曲的作曲家,德奥地区的交响曲发展以柏林乐派、曼海姆乐派和维也纳乐派作曲家为代表。

　　【古典主义时期的室内乐】  室内乐是在室内演奏或演唱的音乐。室内乐重奏可分为二重奏、三重奏、四重奏、五重奏直至九重奏等多种演奏形式。因所用乐器种类不同,室内乐又有单纯弦乐器演奏的重奏以及弦乐器与钢琴、管乐器等混合演奏的重奏之别。室内乐通常用奏鸣曲套曲形式,有4个乐章(亦有少于或多于此数者),演出中不追求个人技巧的任意发挥,而强调声部间的默契配合。在所有的室内乐重奏中,弦乐四重奏是室内乐的重要形式,其由第一小提琴、第二小提琴中提琴、大提琴各1件组成,弦乐四重奏的形式在海顿的后期作品中达到成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构。他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴。

　　【弦乐四重奏】由2把小提琴、1把中提琴和1把大提琴演奏的室内合奏乐体裁，采用奏鸣曲式套曲结构写作。弦乐四重奏脱胎于18世纪初的小夜曲和嬉游曲,海顿的84首弦乐四重奏开始运用奏鸣曲式四乐章套曲形式,并以“谈话原则”组合乐器,确立了近代弦乐四重奏的写作风格。贝多芬以“拉祖莫夫斯基”和“庄严”为代表的弦乐四重奏作品,丰富了该体裁的音乐表现力和衍展力,使之成为室内乐的的核心体裁。浪漫主义的弦乐四重奏作曲家有舒伯特、门德尔松、勃拉姆斯、斯美塔那、德沃夏克、弗朗克、鲍罗廷、柴科夫斯基等,倾向于抒情,在主题展开和对位处理方面不加注重。20世纪的弦乐四重奏创作风格更为多样化,德彪西、巴托克、拉威尔、勋伯格、欣德米特、米约、肖斯塔科维奇等人创作了各具特色的弦乐四重奏作品。

　　【古典主义时期的管弦乐队】  古典主义时期的管弦乐队的规模因演奏场合而异。歌剧院的乐队规模较大；宫廷的乐队因庇护人的经济情况而大小不等,到18世纪中叶约有20-40人。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管,有时长笛可替换双簧管。18世纪下半叶,单簧管才逐渐加入管弦乐队。当要求有辉煌明亮的音响效果时,常运用小号和定音鼓,而长号直到世纪末仍然主要用于教堂音乐,尚未成为正规管弦乐队的成员。18世纪的木管乐器还没有发展得十分完善,即使演奏同一首乐曲,当时乐队发出的音响与今天的演奏效果并不完全相同。在现代意义的指挥出现之前,羽管键琴演奏者(有时是作曲家本人)充当指挥作用,以后为首席小提琴所取代。

　　【维也纳古典乐派】  维也纳古典乐派是18世纪下半叶在维也纳形成的一个乐派,在历史上,人们常说的“维也纳古典乐派”是以海领、莫扎特和贝多芬为代表的音乐家群体,他们都生活在维也纳,并在那创作出大量的经典作品；在创作思想与美学原则上,有承上启下的联系。他们都受到欧洲启蒙主义思潮的影响,创作出带有鲜明人道主义思想和明朗、奋进的乐观主义作品,同时,他们都继承了欧洲特别是德奥音乐文化传统,并对音乐的各个体裁进行了一系列的改革与创新,他们的作品中确立了主调和声风格的主导地位,又创造性地运用了复调对位手法,其作品既有明晰而严谨的形式,又充满深刻的思想内涵:既吸收了德奥民间音乐传统,又富有高超的作曲技法,这一切使他们的音乐具有无穷的魅力,从而使欧洲古典主义音乐到达顶峰。

　　【D.斯卡拉蒂】古典主义时期意大利作曲家和古钢琴家,A.斯卡拉蒂之子。当时最重要的羽管键琴作曲家,作有单乐章的钢琴奏鸣曲近60首,大多用二段式结构,主题风格多样,织体处理灵活。独创炫技性演奏手法如大幅度跳跃、双手交叉、快速平行三六度、刮奏、长颤音等。他的创作直接影响了维也纳古典奏鸣曲。

　　【维也纳古典乐派】18世纪下半叶到19世纪初活跃于维也纳一批德奥作曲家的总称,包括格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特等人。他们都在维也纳度过创作的成熟时期,思想和艺术风格一脉相承,在继承欧洲专业音乐传统的基础上,对音乐内容和形式的革新有着重要的贡献，他们的作品堪称后世音乐的楷模，是18、19世纪之交的西方音乐高峰。

　　第五节海顿与莫扎特

　　【海顿】  约瑟夫·海顿古典主义音乐时期的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的代表人物。他8岁入维也纳圣斯蒂芬大教堂唱诗班,变声后离开唱诗班。1761年,他加入埃斯特哈齐宫廷的乐队,后任乐长,在宫廷中的近30年时间,写出他的大部分作品。1790年尼科劳斯亲王去世,宫廷乐队解体,他迁居维也纳。1791年和1794年两度访问英国，创作演出了12首《伦敦交响曲》,获得极大成功,晚年仍以旺盛的精力创作出两部著名的清唱剧《创世纪》和《四季》。海顿是一位多产的作曲家,作有10若首交响曲、80多首弦乐四重奏、20多部歌剧以及为数众多的其他作品。海顿最重要的贡献是促成了交响乐形成和弦乐四重奏的成熟。早期的交响曲比较简单,乐章的数目不定。海顿晚期的创作标志了古典交响曲的成熟。他除了采有曼海姆乐派交响曲的四个乐章结构外,还明确了各乐章的性质和曲式:第一乐章,快板奏鸣曲式；第二乐章,抒情歌唱性的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,小步舞曲性的三部曲式；第四乐章,舞曲性的回旋曲式。在海顿的奏鸣曲式中,主、副部的对比还不强烈,但他的第一乐章前常有一段对比形象的引子作为补充。海顿的首、尾乐章,已经常使用展开主题短小动机的发展手法,海顿的乐队编制上,以弦乐四声部为基础双管制的现代管弦乐队体制,正是在海顿手下逐渐定型的。他重要的交响曲有《第44交响曲(伤感))、《第45交响曲(告别))、《第94交响曲(惊愕))、《第100交响曲(军队))、《第10交响曲(时钟)》、《第103交响曲(鼓声))和(第104交响曲(伦敦)》等。  弦乐四重奏的形式也是在海顿的后期作品中成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构,他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴,他重要的弦乐四重奏有Op·64之5《“云雀”四重奏》、Op·76的六首(其中第3首别名为《皇帝》)和Op.77的两首四重奏等。

　　海顿的创作充满着健康、明快、幽默、轻松的气息。清新朴素的旋律,在气质上保持着与民间音乐的联系,粗犷质朴的民间舞曲被他自如地引入到高级的交响曲形式,和声、织体上的明晰,结构上的均衡、讲究,这一切构成了海顿创作的总体风格,使他成为维也纳古典乐派的奠基人。

　　【莫扎特】  莫扎特古典主义音乐时期的奥地利作曲家,维也纳古典乐派的代表人物,幼年的莫扎特就显露出超常的音乐天赋。6岁至15岁期间,一半以上的时间由父亲带领,在欧洲各地旅行演出。1774年以后的一段时期他生活在萨尔斯堡,但是,他越来越难以忍受这里闭塞的环境和大主教仆役的音乐职位,于1781年去维也纳做一个“自由音乐家”,并且,自由地选择了一位平民女子做伴侣。自此时至他逝世的十年间,是莫扎特一生最重要的创作时期。1791年莫扎特在贫病中死去,葬于平民公墓,后人甚至找