《爱乐之都 · 青春季》：让音乐剧青春起来！

　　每种艺术门类，都有关联印象。

　　比如流行乐，关联的是大众的、青春的；

　　而如音乐剧，关联的是小众的、高雅的。

　　你大概率不会把音乐剧，跟大众的、青春的关联；

　　恰如你大概率不会把流行乐，跟小众的、高雅的关联。

　　但它并非不可扭转。

　　就像相声，也从曾经传统的、老年的，扭转为如今国潮的、年轻的。

　　而在东方卫视首播、百视 TV 同步播出的《爱乐之都 · 青春季》，就是要做这个扭转，重建人们对于音乐剧的关联印象。

　　这个新印象就是「青春」。

　　为什么「音乐剧 + 青春季」能成立？

　　音乐剧 + 青春季，会矛盾吗？

　　如果你看过了《爱乐之都 · 青春季》第一期，就会发现，不但不是牵强附会的，还是天然成立的——音乐剧里，有最青春的特质。

　　节目挖掘出了音乐剧这门艺术，底色中的青春——

　　在笔者看来，青春最大的特质，就是拥有无比旺盛的生命力。

　　而《爱乐之都 · 青春季》，就是用「生命力」，打穿了「青春」与「音乐剧」之间的壁垒。

　　它让我强烈地感受到，音乐剧是最有生命力的艺术门类：

　　声音是有力量的，肢体是有表达的，内心是有野望的。

　　它的艺术内核，就是打破人身上重重的枷锁、重重的外壳，让野心与野性释放出来，不再压抑、不再克制，这正是中国青年无比需要的青年态度。

　　同时，也透过音乐剧，倡导审美观念中的青春——

　　青春的另一个特质，则是敢「在叛逆中，做进步者」。

　　相较以往音乐养成节目，《爱乐之都 · 青春季》是强烈输出新青年审美观的——

　　独立、开放、多元。

　　陈洁仪说，「我真的非常厌倦，所有的东西都是一样的，我真的喜欢你们的不同」；

　　林海说，「不要用固定的审美，去限定音乐剧演员该怎么唱」；

　　胡海泉说，「歌者的多样性，不仅仅是生理条件那个基础，更重要是她的审美要丰富，人生的可能性、多样性，才是最有趣的地方」。

　　这样的观念，既是叛逆的——叛单一审美的逆；亦是进步的——进多元审美的步。

　　而在第一期中，有一个节目，集中体现了以上两个青春特质，就是杜鑫艳、苗梦初、张沁丹合作竞演的《Maria》。

　　开口第一句唱词——「Maria~」——同卡同角的杜鑫艳、苗梦初、张沁丹，三人就唱出三种 Maria：杜鑫艳是上扬而外放的 Maria，苗梦初是温柔而坚定的 Maria，张沁丹是张皇却勇敢的 Maria ——每个人都是属于自己独特色彩的 Maria，而这正是这一阶段考核的重点：既要演出角色特质，又要演出个人特色。

　　随之，和声不断一重一重地往上叠加，让人感觉到女性的力量如此强大，女性的内心如此澎湃，她们眼神中的坚毅、肢体上的冲破，三人的生命力在此刻舞台上极尽释放，燃透现场！

　　如果演出释放的是「青春的生命力」，那么交流探讨的是「青春的价值观」。

　　为什么选她们来演绎自由奔放、颇有才华却被压制的《Maria》的呈现，其实颇有用意。

　　「大码女孩」杜鑫艳，以往能力再强也只能做「黄金配角」，但在《爱乐之都 · 青春季》里，她在片头里，是站在 C 位的；她在开场舞里，是被高高举起的。陈洁仪说，「你很漂亮」，她大方地跟观众互动，「漂不漂亮？」；陈洁仪说，「你好性感」，她大方地摆出性感 pose。

　　「女拒人」张沁丹，因为是「女巨人」而总被拒，刚毕业的 21 岁，就演 50 岁的女人，97 年的她总因角色被人以为是 79 年的，但是，她不能拒绝，因为没戏演。

　　所以，她们演的是戏剧中的 Maria，演的也是现实中的自己——被单一审美压制的女性，而在她们用生命燃烧的演出后，希望新的审美价值能够重生。

　　音乐剧如何做出青春范儿？

　　既然底层逻辑是成立的，那么表层模式如何放大？

　　可以归纳为三个模式要点——

　　做青春的人；组青春的 team；选青春的曲。

　　怎么「做青春的人」呢？

　　分为两步。

　　第一步，选青春的人。

　　在海选阶段时，就有意识地挑选能够表达「青春感」的音乐剧演员。

　　比如在第一期中表现非常出众的朱涵彬，总导演黄晶在海选阶段就一眼相中，说：「他可能很生涩，但是我能看到他的潜力和成长性」；

　　也包括了会主动要求音乐剧演员们，「去社会化、做年轻人」。会对不自觉眉毛乱飞的王浩然说，「青春季不用那种东西，直接给」。

　　所以，这一季之所以大量放出海选片段，其中一个重要用意，就是呈现导演组通过选人，要展示的，他们对于「青春的人应该是什么样的人」的节目标准。

　　第二步，聚青春的人。

　　比如《时间的一瞬》合作竞演组的三位男性，王仕轩是刚刚大一的小学弟，王颢珏是就读研究生的大师哥，孙圣凯是身为老师的大前辈——他们仨，有最大的年龄跨度，是节目组特别安排的。

　　但节目组恰恰是要用这种年龄跨度，谈青春。

　　青春，一定就是年轻吗？

　　未必。

　　青春是以是否停止生长为标志。当你停止了生长，青春就停止了；而你不曾停止生长，就仍在青春期发育。

　　节目组给他们分别都下了「青春的注脚」：

　　王仕轩的注脚是，「青春可以不拘一格」；

　　而孙圣凯的注脚是，「青春就是赤子之心，无关年纪」。

　　孙圣凯身为音乐剧演员和专业教师，敢跟学生同台，这种「敢」本身就很青春，而于个人而言，他曾因为照顾家庭，错过一段青春，而现在生活有余力了，他又反过头来追回这段青春、追回少年时，这种逆人生之旅的青春，更让笔者动容。

　　有了「青春的人」了，怎么「组青春的 team」呢？

　　青春期里，让每个走过的人动容的，是当年的我们，一边互相卷，一边互相爱。

　　放在《爱乐之都 · 青春季》里，就是「组团」，燃起青春团魂。

　　整季的大模式，就是组成几个「音乐剧剧团」；

　　而在第一阶段，则是「三人成组」，同卡同角。

　　他们之间是对手，更是合作伙伴。甚至《直到永远》组的孙铁成、王浩然、朱涵彬，竞演结果即将揭晓时，他们都不看主理人，而是选择三个人在一起手拉手，彼此支持已经大于互相竞争，这种青春情谊，令人感动也令人共情。

　　而有了「青春的 team」，怎么「选青春的曲」？

　　相较于第一季，笔者明显发现这一季的选曲，会有更强烈的青春价值观。

　　它是以青春命题和青春态度为导向的，试图靠近年轻人的内心，尝试给予年轻人青春的力量，回答年轻人青春的迷茫。

　　比如《直到永远》，唱的就是一个有社交障碍症的年轻人埃文 · 汉森的心声，他被人误解、被人冷落，而在这首歌里，它编织了一个美丽的谎言，而谎言里却是他的真实渴望。

　　比如《时间的一瞬》，表达的戏剧主人公追求人格完整、希望拥有有趣而丰满灵魂的心声，「渴望悲欢离合，才算是一个人；渴望喜怒哀乐，才算走过一生」，这何尝不是无数青年的心声？

　　所以，整个《爱乐之都 · 青春季》的模式，就是围绕着「青春的人」「青春的魂」设计的。

　　为什么音乐剧需要青春？

　　就像文章开篇所说——

　　我们想到流行乐，就会自动关联青春和大众；

　　我们想到音乐剧，就会自动关联高雅和小众。

　　但是，社会发展到一定阶段的音乐剧，希望通过「青春」走向「大众」，而非高雅却束之高阁。

　　所以，《爱乐之都 · 青春季》就是通过「让音乐青春起来」，从而实现「让青春季流行起来」——因为年轻人是最有传播力的人群，是流行文化、社会传播的风向标。

　　而如果你以为，让年轻人买单的，仅仅是青春的外壳，就大错特错了。真正能够掀起传播热浪的，从来都是「青春的态度」「青春的观念」，只有节目提供的青春价值观超过以往的青春价值观，它才能打开「青春传播」——因为，人是观念的动物，青年人更是观念的动物，人与人的传播本质是观念在人与人间的传播，他们会因为新的观念而兴奋、而激情，才产生了传播行为。同时，在观念之中，再植入有逼格的知识点。比如，节目中阿云嘎科普了《妈妈咪呀！》的点唱机式音乐剧的知识点，这种既有先锋观念，又有新鲜知识的组合，很容易在年轻人中，打开传播。

　　所以，我们才能理解，为什么明明是一档音乐节目，但是《爱乐之都 · 青春季》要花这么大力气做青春价值观，不只是体现东方卫视作为主流媒体的社会担当，不容忽视的是他们深谙青春传播之道。

　　所以，节目包装的不是音乐剧，而是音乐剧的青春价值观——

　　是崇尚多元审美的，不管胖的、瘦的、高的、矮的，怪诞的、严肃的、内敛的、狂放的，人间之有趣就在于人物之不同，在做自己中放光芒；

　　是崇尚爱与表达的，就像陈洁仪不断说的「I love it」，不是很社会的夸夸群，也不是故作尖锐的抨击，而是对人真实而无限的包容和接纳；

　　这样的青春态度，很独特，很高级，也很超前；

　　而人们会因为认同这种态度，所以认同音乐剧。

　　但这种青春态度，不是凭空而来的——

　　城市的观念孕育了创作者的观念，创作者的观念孕育了节目的观念。

　　上海，本就是一个主张开放、多元、包容的国际化大都会，这是浸润在上海文艺创作者血脉里的城市文化基因。同时，上海也明确提出，要建设「青年发展型城市」，拥抱年轻人、成就年轻人，打造年轻人的希望之城。

　　因此，《爱乐之都 · 青春季》不只是年轻歌者的一种发声，也像是上海这座城市的一种发声，整个节目就是这座城市的一首长长的吟唱，让九州青年听到上海之声，吸引他们寻声而来，在这座城里，寻找自己，成为自己，绽放自己。

　　因此，相较于第一季，做的只是「音乐剧」与「大上海」的连接，完成的只是城市与艺术的接驳；第二季做的是「青春感」「音乐剧」与「大上海」的连接，用上海市的青春感做出音乐剧的青春感，形成三位一体的稳定内核。

　　1 号结语

　　但是，客观来说，要去打破人们根深蒂固的印象和关联，并不容易。

　　不仅意味着「刻板印象的切断」，也意味着「集体共识的重建」。

　　但恰如胡海泉所说的，「音乐剧的整个行业，都聚焦在这个舞台上，它带着整个行业的人的期望」。只有打破既有框架，音乐剧才能走出圈层，迎来更大市场、更多受众，才能让从业者得以体面地生活，创作者得以安心地创造。

　　虽道路阻且长，但须有先行者。

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